„El a dezvăluit lumii un om de o nouă formație: un negustor-Bătrânul Credincios și un comerciant-capitalist, un negustor în haină de armată și un negustor într-o „troika”, călătorind în străinătate și făcându-și propria afacere. Ostrovsky a deschis larg. ușa către o lume închisă până acum în spatele gardurilor înalte de ochii curioșilor altora” (V. G. Marantsman)
Caracteristici ale stilului lui Ostrovsky 1. Nume de familie vorbitoare. Nu există nume sau prenume aleatorii în piesa „Furtuna”. Tikhon Kabanov este un bețiv cu voință slabă și băiatul unei mame. Își ține pe deplin numele.
În piesa „Vinovați fără vinovăție”. Văzând numele de familie Neznamov, cititorul înțelege imediat că vorbim despre o persoană care nu știe despre trecutul său.
Caracteristicile stilului lui Ostrovsky. 2. Observații specifice ale autorului. Piesele lui Ostrovsky au fost, de asemenea, destinate lecturii, așa că direcțiile sale de scenă, deși constau în inserții destul de scurte, au un mare potențial intern. De exemplu, indicațiile de scenă din „Furtuna” descriu peisajul, decorul, personajele și comportamentul lor.
Caracteristici ale stilului lui Ostrovsky 3. Originalitatea numelor (adesea proverbe). 1. Oamenii noștri - să fim numărați 2. Inima nu este o piatră 3. Nu trăi așa cum vrei tu 4. Adevărul este bun, dar fericirea este mai bună
Această caracteristică a lui Ostrovsky a fost remarcată de critici chiar și atunci când au apărut primele sale piese. „...Abilitatea de a descrie realitatea așa cum este ea - „fidelitate matematică față de realitate”, absența oricărei exagerări... Toate acestea nu sunt trăsăturile distinctive ale poeziei lui Gogol; „Toate acestea sunt trăsături distinctive ale noii comedie”, a scris B. Almazov în articolul „Un vis cu ocazia unei comedie”. Deja în vremea noastră, criticul literar A. Skaftymov, în lucrarea sa „Belinsky și Drama lui A. N. Ostrovsky”, a remarcat că „diferența cea mai izbitoare dintre piesele lui Gogol și Ostrovsky este că în Gogol nu există nicio victimă a viciului, în timp ce la Ostrovsky există întotdeauna o victimă care suferă viciul... Înfățișând viciul, Ostrovsky protejează ceva de el, protejează pe cineva... Astfel, întregul conținut al piesei se schimbă. Piesa este colorată de lirismul suferind, intră în dezvoltarea unor sentimente proaspete, moral pure sau poetice; Eforturile autorului sunt menite să evidențieze în mod clar legalitatea internă, adevărul și poezia umanității autentice, asuprită și alungată într-un mediu de interes personal și înșelăciune predominant.” Abordarea lui Ostrovsky de a descrie realitatea, diferită de cea a lui Gogol, se explică, desigur, prin originalitatea talentului său, proprietățile „naturale” ale artistului, dar și (nu trebuie ratată nici aceasta) prin schimbarea vremurilor: atenție sporită la individului, la drepturile sale, recunoașterea valorii sale.
Vl. I. Nemirovici-Danchenko în cartea „Nașterea teatrului” subliniază perspicac ceea ce face piesele lui Ostrovsky deosebit de scenice: „o atmosferă de bunătate”, „simpatie clară și fermă din partea celor jignit, la care se află sala de teatru. întotdeauna extrem de sensibil.”
„Oh, nu plânge; nu merită lacrimile tale. Ești un porumbel alb într-un stol negru de turme, așa că te ciugulesc. Albul tău, puritatea ta sunt jignitoare pentru ei”, îi spune Narokov lui Sasha Negina în „Talente și admiratori”.
1. Scurte informații biografice.
2. Cele mai cunoscute piese de teatru de Ostrovsky; personaje și conflicte.
3. Semnificația creativității lui Ostrovsky.
Viitorul dramaturg A. N. Ostrovsky s-a născut în 1823. Tatăl său a slujit la tribunalul orașului. La vârsta de opt ani, Ostrovsky și-a pierdut mama. Tatăl s-a căsătorit pentru a doua oară. Lăsat în voia lui, băiatul a devenit interesat de lectură. După absolvirea liceului, A. N. Ostrovsky a studiat câțiva ani la Facultatea de Drept a Universității din Moscova, apoi a lucrat în justiție. Trebuie remarcat faptul că experiența profesională dobândită a jucat un rol important în opera literară ulterioară a lui Ostrovsky. Cunoașterea profundă a vieții populare pe care o găsim în piesele lui Ostrovsky este asociată cu impresiile din copilărie; Aparent, dramaturgul datorează o mare parte din expansiunea sa de idei despre viața moscoviților soției sale necăsătorite Agafya Ivanovna, cu care s-a întâlnit la mijlocul anilor 50. După moartea ei, Ostrovsky s-a recăsătorit (1869).
Ostrovsky în timpul vieții a atins nu numai faima, ci și bogatie materiala. În 1884, a fost numit în funcția de șef al departamentului de repertoriu al teatrelor din Moscova. A. N. Ostrovsky a murit în 1886 pe moșia sa Shchelykovo. Cu toate acestea, interesul pentru lucrările lui Ostrovsky nu a dispărut după moartea sa. Și până în prezent, multe dintre piesele sale sunt jucate cu succes pe scenele teatrelor rusești.
Care este secretul popularității pieselor lui Ostrovsky? Probabil că adevărul este că personajele eroilor săi, în ciuda aromei unei anumite epoci, rămân mereu moderne în miezul lor, în esența lor profundă. Să ne uităm la asta cu exemple.
Una dintre primele piese care i-au adus lui Ostrovsky faimă largă este piesa „Oamenii noștri - Vom fi numerotați”, care a fost inițial numită „Falimentar”. După cum sa menționat deja, Ostrovsky a servit la un moment dat în instanță. Complotul „Falimentului” a fost dezvoltat pe baza unor cazuri reale din practica judiciară: frauda comerciantului Bolshov, care s-a declarat insolvabil pentru a nu-și plăti datoriile și frauda de represalii a ginerelui și fiicei sale. , care a refuzat să-și cumpere „tăticul” din datorii. Ostrovsky în această piesă arată clar viața și morala patriarhală a negustorilor moscoviți: „Mama are șapte vineri pe săptămână; Tati, chiar dacă nu e beat, tăce, dar dacă este beat, îl va ucide, orice ar fi. Dramaturgul dezvăluie o cunoaștere profundă a psihologiei umane: portretele tiranului Bolșov, escrocului Podkhalyuzin, Lipochka, care se imaginează ca o „doamnă educată”, și alte personaje sunt foarte realiste și convingătoare.
Este important de remarcat faptul că în piesa „Oamenii noștri - Vom fi numărați”, Ostrovsky a ridicat o temă care a devenit transversală pentru întreaga sa lucrare: aceasta este tema distrugerii modului tradițional de viață patriarhal, un schimbare în esența relațiilor umane, o schimbare a priorităților valorice. Interesul pentru viața populară s-a manifestat și în mai multe piese ale lui Ostrovsky: „Nu sta în propria sanie”, „Sărăcia nu este un viciu”, „Nu trăi așa cum vrei”.
Trebuie menționat că nu toate piesele lui Ostrovsky au un final plauzibil, realist. O rezolvare fericită a unui conflict pare uneori deliberată, neconcordantă în întregime cu personajele personajelor, cum ar fi, de exemplu, în piesele „Sărăcia nu este un viciu” și „Mere potabile”. Cu toate acestea, astfel de „sfârșituri fericite” utopice nu reduc nivelul artistic ridicat al pieselor lui Ostrovsky. Cu toate acestea, una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Ostrovsky a fost drama „Furtuna”, care poate fi numită o tragedie. De fapt, această piesă este profund tragică nu numai din cauza morții personaj principalîn final, dar din cauza insolubilității conflictului arătat de Ostrovsky în „Furtuna”. S-ar putea spune chiar că în „Furtuna” nu există unul, ci două conflicte: antagonismul Katerinei și soacra ei Marfa Ignatievna (Kabanikha), precum și conflictul intern al Katerinei. De obicei, savanții literari, după N.A. Dobrolyubov, o numesc pe Katerina „o rază de lumină într-un regat întunecat”, punând-o în contrast cu Kabanikha și cu alte personaje din piesă. Nu există nicio îndoială că personajul Katerinei are calități demne. Cu toate acestea, aceste calități devin cauza conflictului intern al eroinei lui Ostrovsky. Katerina nu poate nici să-și accepte soarta cu blândețe, așteptând cu răbdare momentul în care ar putea deveni a doua Kabanikha și să dea frâu liber caracterului ei, fie să se bucure de întâlniri secrete cu iubitul ei, arătând în exterior un exemplu de ascultare față de soțul și mama ei... în lege. Personajul principal din „The Thunderstorm” se predă sentimentelor ei; totuși, în inima ei ea consideră acest lucru un păcat și este chinuită de remuşcări. Katerina nu are puterea de a rezista unui pas pe care ea însăși îl consideră păcătos, dar recunoașterea ei voluntară a faptei sale în ochii soacrei nu îi reduce deloc vinovăția.
Dar personajele Katerinei și ale soacrei ei sunt într-adevăr atât de diferite? Kabanikha, desigur, este un tip de tiran complet care, în ciuda evlaviei sale ostentative, își recunoaște doar propria sa voință. Cu toate acestea, despre Katerina se poate spune că în acțiunile ei nu ține cont de nimic - nici decență, nici prudență, nici măcar legile religiei. „Eh, Varya, nu-mi cunoști caracterul! Desigur, Doamne ferește să se întâmple asta! Și dacă m-am săturat să fiu aici, nu mă vor reține cu nicio forță”, îi mărturisește ea sincer surorii soțului ei. Principala diferență dintre Katerina este că nu vrea să-și ascundă acțiunile. „Ești cam șmecher, Dumnezeu să te binecuvânteze! Dar după părerea mea: fă ce vrei, atâta timp cât este cusut și acoperit”, este surprinsă Varvara. Dar este puțin probabil ca fata să fi venit ea însăși cu asta. Evident, ea a prins această „înțelepciune” lumească în atmosfera ipocrită a casei mamei sale. Tema prăbușirii modului tradițional de viață din „Furtuna” sună deosebit de emoționantă - atât în presimțirile de rău augur ale Katerinei, cât și în suspinele melancolice ale lui Kabanikha dedicate „vremurilor vechi” care trec, cât și în profețiile amenințătoare ale doamna nebună și în poveștile sumbre ale rătăcitorului Feklushi despre sfârșitul lumii care se apropie. Sinuciderea Katerinei este, de asemenea, o manifestare a prăbușirii valorilor patriarhale, pe care ea le-a trădat.
Tema prăbușirii valorilor „vremurilor vechi” în multe dintre piesele lui Ostrovsky este refractată în tema carierismului și a setei de profit. Eroul piesei „Simplitatea este suficientă pentru fiecare om înțelept”, vicleanul cinic Glumov, este chiar fermecător în felul său. În plus, nu se poate să nu recunoască inteligența și ingeniozitatea lui, ceea ce, desigur, îl va ajuta să iasă din situația neplăcută care a apărut ca urmare a expunerii mașinațiunilor sale. Imaginile oamenilor de afaceri calculatori apar de mai multe ori în piesele lui Ostrovsky. Aceștia sunt Vasilkov din „Mad Money” și Berkutov din „Lupi și oi”.
În piesa „Pădurea” se aude din nou tema decăderii, dar nu a modului de viață comerciant patriarhal, ci a distrugerii treptate a fundamentelor vieții nobililor. Îl vedem pe nobilul Gurmyzhsky în imaginea tragedianului provincial Neschastlivtsev, iar mătușa lui, în loc să se ocupe de soarta nepotului și a nepoatei sale, cheltuiește fără gânduri bani pe subiectul interesului ei amoros târzie.
Este necesar să rețineți piesele lui Ostrovsky, care pot fi numite pe bună dreptate drame psihologice, de exemplu, „Zestre”, „Talent și admiratori”, „Vinovați fără vinovăție”. Personajele din aceste lucrări sunt personalități ambigue, cu mai multe fațete. De exemplu, Paratov din „Zestrea” este un domn strălucit, un bărbat laic care poate întoarce cu ușurință capul unei domnișoare romantice, „omul ideal” în ochii Larisei Ogudalova, dar în același timp este un calculat. om de afaceri și un cinic pentru care nimic nu este sacru: „U I, Mokiy Parmenych, nu am nimic prețuit; Dacă găsesc un profit, voi vinde tot, orice.” Karandyshev, logodnicul Larisei, nu este doar un oficial mărunt, un „omuleț”, un „pai” de care Larisa a încercat cu disperare să se apuce, ci și o persoană cu mândrie rănită dureros. Și despre Larisa însăși, putem spune că este o persoană subtilă, înzestrată, dar nu știe să evalueze sobru oamenii și să-i trateze calm și pragmatic.
În cele din urmă, trebuie menționat că Ostrovsky s-a impus ferm în literatură și artele spectacolului ca un scriitor care a stabilit tradiții realiste în teatrul rus, un maestru al prozei cotidiene și psihologice a secolului al XIX-lea. Piesele „Columbus din Zamoskvorechye”, așa cum au numit criticii Ostrovsky, au devenit de mult clasice ale literaturii și teatrului rusesc.
Alexander Nikolaevich Ostrovsky este un celebru scriitor și dramaturg rus, care a avut o influență semnificativă asupra dezvoltării teatrului național. El s-a format școală nouă joc realist și a scris multe lucrări minunate. Acest articol va sublinia principalele etape ale creativității lui Ostrovsky. Și, de asemenea, cele mai semnificative momente ale biografiei sale.
Copilărie
Alexandru Nikolaevici Ostrovsky, a cărui fotografie este prezentată în acest articol, s-a născut în 1823, la 31 martie, la Moscova, în regiune.Tatăl său, Nikolai Fedorovich, a crescut în familia unui preot, a absolvit însuși Academia Teologică din Moscova. , dar nu a slujit în biserică. A devenit avocat și s-a ocupat de chestiuni comerciale și judiciare. Nikolai Fedorovich a reușit să se ridice la rangul de consilier titular, iar mai târziu (în 1839) a primit nobilimea. Mama viitorului dramaturg, Savvina Lyubov Ivanovna, era fiica unui sacristan. Ea a murit când Alexandru avea doar șapte ani. În familia Ostrovsky au crescut șase copii. Nikolai Fedorovich a făcut totul pentru a se asigura că copiii au crescut în prosperitate și au primit o educație decentă. La câțiva ani după moartea lui Lyubov Ivanovna, s-a căsătorit din nou. Soția sa a fost Emilia Andreevna von Tessin, baroneasă, fiica unui nobil suedez. Copiii au fost foarte norocoși să aibă mama lor vitregă: ea a reușit să găsească o abordare față de ei și a continuat să-i educe.
Tineret
Alexander Nikolaevich Ostrovsky și-a petrecut copilăria chiar în centrul orașului Zamoskvorechye. Tatăl său avea o bibliotecă foarte bună, datorită căreia băiatul s-a familiarizat devreme cu literatura scriitorilor ruși și a simțit o înclinație spre scris. Cu toate acestea, tatăl a văzut în băiat doar un avocat. Prin urmare, în 1835, Alexandru a fost trimis la Primul Gimnaziu din Moscova, după ce a studiat acolo a devenit student la Universitatea din Moscova. Cu toate acestea, Ostrovsky nu a reușit să obțină o diplomă în drept. S-a certat cu profesorul și a părăsit universitatea. La sfatul tatălui său, Alexandru Nikolaevici a mers să slujească în instanță ca scrib și a lucrat în această poziție timp de câțiva ani.
Încercarea de a scrie
Cu toate acestea, Alexandru Nikolaevici nu a renunțat să încerce să se dovedească în domeniul literar. În primele sale piese a aderat la o direcție acuzatoare, „moral-socială”. Primele au fost publicate într-o nouă ediție, Moscow City Listk, în 1847. Acestea au fost schițe pentru comedia „Debitorul eșuat” și eseul „Notele unui rezident Zamoskvoretsky”. Sub publicație se aflau literele „A. DESPRE." și „D. G." Cert este că un anume Dmitri Gorev a oferit cooperare tânărului dramaturg. Nu a progresat dincolo de scrierea uneia dintre scene, dar a devenit ulterior o sursă de mari probleme pentru Ostrovsky. Unii nedoritori l-au acuzat ulterior pe dramaturg de plagiat. În viitor, multe piese magnifice vor veni din condeiul lui Alexandru Nikolaevici și nimeni nu ar îndrăzni să se îndoiască de talentul său. Următoarele vor fi descrise în detaliu.Tabelul prezentat mai jos vă va permite să sistematizați informațiile primite.
Primul succes
Cand s-a intamplat asta? Opera lui Ostrovsky a câștigat o mare popularitate după publicarea în 1850 a comediei „Oamenii noștri - Să fim numerotați!” Această lucrare a evocat recenzii favorabile în cercurile literare. I. A. Goncharov și N. V. Gogol au dat piesei o evaluare pozitivă. Cu toate acestea, acest butoi de miere a inclus și o muscă impresionantă în unguent. Reprezentanți influenți ai clasei de comercianți din Moscova, jigniți de clasa lor, s-au plâns celor mai înalte autorități despre dramaturgul îndrăzneț. Piesa a fost imediat interzisă din producție, autorul a fost dat afară din serviciu și pus sub cea mai strictă supraveghere a poliției. Mai mult, acest lucru s-a întâmplat din ordinul personal al împăratului Nicolae I însuși. Supravegherea a fost eliminată abia după ce împăratul Alexandru al II-lea a urcat pe tron. Publicul teatrului a văzut comedia abia în 1861, după ce a fost ridicată interdicția de a produce.
Piese timpurii
Lucrările timpurii ale lui A. N. Ostrovsky nu au trecut neobservate; lucrările sale au fost publicate în principal în revista „Moskvityanin”. Dramaturgul a colaborat activ cu această publicație atât ca critic, cât și ca editor în anii 1850-1851. Sub influența „tinerilor redactori” ai revistei și a principalului ideolog al acestui cerc, Alexandru Nikolaevici a compus piesele „Sărăcia nu este un viciu”, „Nu sta în propria sanie”, „Nu trăi cum vrei tu”. Temele creativității lui Ostrovsky în această perioadă sunt idealizarea patriarhatului, obiceiurile și tradițiile antice rusești. Aceste sentimente au atenuat ușor patosul acuzator al operei scriitorului. Cu toate acestea, în lucrările acestui ciclu, abilitatea dramatică a lui Alexandru Nikolaevici a crescut. Piesele sale au devenit celebre și solicitate.
Colaborare cu Sovremennik
Începând cu 1853, timp de treizeci de ani, piesele lui Alexandru Nikolaevici au fost prezentate în fiecare sezon pe scenele teatrelor Maly (la Moscova) și Alexandrinsky (la Sankt Petersburg). Din 1856, opera lui Ostrovsky a fost tratată în mod regulat în revista Sovremennik (lucrările sunt publicate). În timpul ascensiunii sociale din țară (înainte de abolirea iobăgiei în 1861), lucrările scriitorului au căpătat din nou un avantaj acuzator. În piesa „La sărbătoarea altcuiva este o mahmureală”, scriitorul a creat imaginea impresionantă a lui Bruskov Tit Titych, în care a întruchipat puterea brută și întunecată a autocrației interne. Aici a fost auzit pentru prima dată cuvântul „tiran”, care mai târziu a fost atașat unei întregi galerii de personaje ale lui Ostrovsky. Comedia „Loc profitabil” ridiculizează comportamentul corupt al funcționarilor care devenise normal. Drama „Grădinița” a fost un protest viu împotriva violenței împotriva individului. Alte etape ale creativității lui Ostrovsky vor fi descrise mai jos. Dar punctul culminant al realizării acestei perioade a activității sale literare a fost drama socio-psihologică „Furtuna”.
"Furtună"
În această piesă, „omul om” Ostrovsky a pictat atmosfera plictisitoare a unui oraș de provincie, cu ipocrizia, grosolănia și autoritatea de necontestat a „bătrânilor” și a bogaților. Spre deosebire de lumea imperfectă a oamenilor, Alexander Nikolaevich înfățișează imagini uluitoare ale naturii Volga. Imaginea Katerinei este plină de frumusețe tragică și farmec sumbru. Furtuna simbolizează frământările mentale ale eroinei și, în același timp, personifică povara fricii sub care trăiesc în mod constant. oameni simpli. Regatul ascultării oarbe este subminat, potrivit lui Ostrovsky, de două forțe: bun simț, pe care Kuligin o predică în piesă și sufletul pur al Katerinei. În „Raza de lumină într-un regat întunecat”, criticul Dobrolyubov a interpretat imaginea personajului principal ca un simbol al protestului profund, maturizat treptat în țară.
Datorită acestei piese, creativitatea lui Ostrovsky a urcat la cote de neatins. „Furtuna” l-a făcut pe Alexander Nikolaevici cel mai faimos și venerat dramaturg rus.
Motive istorice
În a doua jumătate a anilor 1860, Alexandru Nikolaevici a început să studieze istoria Epocii Necazurilor. A început să corespondeze cu celebrul istoric și Nikolai Ivanovici Kostomarov. Pe baza studiului unor surse serioase, dramaturgul a creat o serie întreagă de lucrări istorice: „Dmitri Pretenditorul și Vasily Shuisky”, „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino”. Probleme istoria nationala au fost înfățișați de Ostrovsky cu talent și încredere.
Alte piese de teatru
Alexandru Nikolaevici a rămas în continuare fidel temei sale preferate. În anii 1860 a scris multe drame și piese de teatru „de zi cu zi”. Printre acestea: „Hard Days”, „The Deep”, „Jokers”. Aceste lucrări au consolidat motivele deja găsite de scriitor. De la sfârșitul anilor 1860, opera lui Ostrovsky a cunoscut o perioadă de dezvoltare activă. În dramaturgia sa apar imagini și teme ale „noii” Rusii care a supraviețuit reformei: oameni de afaceri, dobânditori, saci de bani patriarhali degenerați și comercianți „europenizați”. Alexandru Nikolaevici a creat o serie strălucitoare de comedii satirice care dezmintă iluziile post-reformă ale cetățenilor: „Bani nebuni”, „Inimă caldă”, „Lupi și oi”, „Pădure”. Idealul moral al dramaturgului este oamenii cu inima curată, nobili: Parasha din „Inimă caldă”, Aksyusha din „Pădurea”. Ideile lui Ostrovsky despre sensul vieții, fericirii și datoriei au fost întruchipate în piesa „Pâine de muncă”. Aproape toate lucrările lui Alexandru Nikolaevici scrise în anii 1870 au fost publicate în Otechestvennye zapiski.
„Căița zăpezii”
Apariția acestei piese poetice a fost complet întâmplătoare. Teatrul Maly a fost închis pentru renovare în 1873. Artiștii săi s-au mutat în clădirea Teatrului Bolșoi. În acest sens, comisia pentru conducerea Teatrelor Imperiale din Moscova a decis să creeze un spectacol în care să fie implicate trei trupe: operă, balet și teatru. Alexandru Nikolaevici Ostrovsky s-a angajat să scrie o piesă similară. „The Snow Maiden” a fost scris de dramaturg într-un timp foarte scurt. Autorul a luat ca bază intriga dintr-o poveste populară rusă. În timp ce lucra la piesă, el a selectat cu atenție dimensiunile poemelor și s-a consultat cu arheologi, istorici și experți în antichitate. Muzica piesei a fost compusă de tânărul P. I. Ceaikovski. Piesa a avut premiera în 1873, pe 11 mai, pe scena Teatrului Bolșoi. K. S. Stanislavsky a vorbit despre „Crăiasa Zăpezii” ca despre un basm, un vis spus în versuri sonore și magnifice. El a spus că scriitorul realist și de viață de zi cu zi Ostrovsky a scris această piesă ca și cum înainte nu l-ar fi interesat nimic în afară de romantism pur și poezie.
Munca in ultimii ani
În această perioadă, Ostrovsky a compus comedii și drame socio-psihologice semnificative. Ele povestesc despre destinele tragice ale femeilor sensibile și talentate într-o lume cinică și egoistă: „Talent și admiratori”, „Zestre”. Aici dramaturgul a dezvoltat noi tehnici de exprimare scenică care au anticipat opera lui Anton Cehov. Păstrând particularitățile dramaturgiei sale, Alexander Nikolaevich a căutat să întruchipeze „lupta internă” a personajelor într-o „comedie inteligentă, subtilă”.
Activitate socială
În 1866, Alexandru Nikolaevici a fondat celebrul Cerc artistic. Ulterior, a oferit scenei din Moscova multe figuri talentate. D. V. Grigorovici, I. A. Goncharov, I. S. Turgheniev, P. M. Sadovsky, A. F. Pisemsky, G. N. Fedotova, M. E. Ermolova, P. I. Ceaikovski au vizitat Ostrovsky , L. N. Tolstoi, M. E. Saltykov-Shchedri I..E..
În 1874, în Rusia a fost creată Societatea Scriitorilor Dramatici și Compozitorilor de Operă Ruși. Alexander Nikolaevich Ostrovsky a fost ales președinte al asociației. Fotografiile celebrului personaj public erau cunoscute de fiecare iubitor de artele spectacolului din Rusia. Reformatorul a făcut multe eforturi pentru a se asigura că legislația conducerii teatrului a fost revizuită în favoarea artiștilor și, prin urmare, le-a îmbunătățit semnificativ situația financiară și socială.
În 1885, Alexandru Nikolaevici a fost numit în postul de șef al departamentului de repertoriu și a devenit șeful școlii de teatru.
Teatrul Ostrovsky
Opera lui Alexander Ostrovsky este indisolubil legată de formarea adevăratului teatru rusesc în sensul său modern. Dramaturgul și scriitorul a reușit să-și creeze propria școală de teatru și un concept holistic special pentru punerea în scenă a spectacolelor de teatru.
Particularitățile creativității lui Ostrovsky în teatru constă în absența opoziției cu natura actorului și a situațiilor extreme în acțiunea piesei. În lucrările lui Alexander Nikolaevich, evenimente obișnuite se întâmplă oamenilor obișnuiți.
Principalele idei de reformă:
- teatrul ar trebui să fie construit pe convenții (există un „al patrulea perete” invizibil care separă publicul de actori);
- la montarea unei piese de teatru, pariul trebuie făcut nu pe un actor celebru, ci pe o echipă de artiști care se înțeleg bine;
- invariabilitatea atitudinii actorilor față de limbaj: caracteristicile vorbirii ar trebui să exprime aproape totul despre personajele prezentate în piesă;
- oamenii vin la teatru pentru a vedea actorii joacă și nu pentru a se familiariza cu piesa - o pot citi acasă.
Ideile pe care le-a venit scriitorul Alexander Nikolaevici Ostrovsky au fost ulterior rafinate de M. A. Bulgakov și K. S. Stanislavsky.
Viata personala
Viața personală a dramaturgului nu a fost mai puțin interesantă decât opera sa literară. ÎN cununia civila Alexandru Nikolaevici Ostrovsky a trăit aproape douăzeci de ani cu o simplă burgheză. Faptele și detaliile interesante ale relației maritale dintre scriitor și prima sa soție încă îi entuziasmează pe cercetători.
În 1847, în Nikolo-Vorobinovsky Lane, lângă casa în care locuia Ostrovsky, o fată tânără, Agafya Ivanovna, s-a stabilit cu sora ei de treisprezece ani. Nu avea familie sau prieteni. Nimeni nu știe când l-a întâlnit pe Alexander Nikolaevich. Cu toate acestea, în 1848 tinerii au avut un fiu, Alexei. Nu existau condiții pentru creșterea unui copil, așa că băiatul a fost plasat temporar într-un orfelinat. Tatăl lui Ostrovsky era teribil de supărat că fiul său nu numai că a renunțat la o universitate prestigioasă, ci s-a implicat și cu o simplă burgheză care locuiește alături.
Cu toate acestea, Alexandru Nikolaevici a dat dovadă de fermitate și, când tatăl său și mama lui vitregă au plecat la proprietatea recent cumpărată Shchelykovo din provincia Kostroma, s-a stabilit cu Agafya Ivanovna în casa sa de lemn.
Scriitorul și etnograful S. V. Maksimov a numit-o în glumă pe prima soție a lui Ostrovsky „Marfa Posadnitsa” pentru că ea a fost alături de scriitor în vremuri de mare nevoie și de privațiuni severe. Prietenii lui Ostrovsky o caracterizează pe Agafya Ivanovna ca fiind o persoană foarte inteligentă și cu suflet cald. Ea cunoștea foarte bine obiceiurile și obiceiurile vieții comercianților și a avut o influență necondiționată asupra operei lui Ostrovsky. Alexandru Nikolaevici s-a consultat adesea cu ea cu privire la crearea operelor sale. În plus, Agafya Ivanovna a fost o gazdă minunată și ospitalieră. Dar Ostrovsky nu și-a oficializat căsătoria cu ea nici după moartea tatălui său. Toți copiii născuți în această uniune au murit foarte tineri, doar cel mai mare, Alexei, a supraviețuit pentru scurt timp mamei sale.
De-a lungul timpului, Ostrovsky și-a dezvoltat alte hobby-uri. Era îndrăgostit pasional de Lyubov Pavlovna Kositskaya-Nikulina, care a interpretat-o pe Katerina la premiera filmului The Thunderstorm din 1859. Cu toate acestea, a avut loc curând o pauză personală: actrița l-a părăsit pe dramaturg pentru un negustor bogat.
Apoi Alexander Nikolaevich a avut o relație cu tânăra artistă Vasilyeva-Bakhmetyeva. Agafya Ivanovna știa despre asta, dar ea și-a purtat cu fermitate crucea și a reușit să păstreze respectul lui Ostrovsky pentru ea însăși. Femeia a murit în 1867, pe 6 martie, după o boală gravă. Alexandru Nikolaevici nu și-a părăsit patul până la sfârșit. Locul de înmormântare a primei soții a lui Ostrovsky este necunoscut.
Doi ani mai târziu, dramaturgul sa căsătorit cu Vasilyeva-Bakhmetyeva, care i-a născut două fiice și patru fii. Alexandru Nikolaevici a trăit cu această femeie până la sfârșitul zilelor sale.
Moartea scriitorului
Viața socială intensă nu putea decât să afecteze sănătatea scriitorului. În plus, în ciuda taxelor bune de la producția de piese și a unei pensii anuale de 3 mii de ruble, Alexandru Nikolaevici nu a avut întotdeauna destui bani. Epuizat de grijile constante, corpul scriitorului a eșuat în cele din urmă. În 1886, pe 2 iunie, scriitorul a murit pe moșia sa Shchelykovo, lângă Kostroma. Împăratul a donat 3 mii de ruble pentru înmormântarea dramaturgului. În plus, a atribuit o pensie de 3 mii de ruble văduvei scriitorului și alte 2.400 de ruble pe an pentru a crește copiii lui Ostrovsky.
Tabelul cronologic
Viața și opera lui Ostrovsky pot fi prezentate pe scurt într-un tabel cronologic.
S-a născut A. N. Ostrovsky. |
|
Viitorul scriitor a intrat în Primul Gimnaziu din Moscova. |
|
Ostrovsky a devenit student la Universitatea din Moscova și a început să studieze dreptul. |
|
Alexandru Nikolaevici a părăsit universitatea fără a primi o diplomă de studii. |
|
Ostrovsky a început să slujească ca scrib la curțile din Moscova. El a fost angajat în această lucrare până în 1851. |
|
Scriitorul a conceput o comedie numită „The Picture of Family Happiness”. |
|
Eseul „Notele unui rezident Zamoskvoretsky” și schițele piesei „Tabloul fericirii familiei” au apărut în „Lista orașelor Moscova”. |
|
Publicarea comediei „Săraca mireasă” în revista „Moskvityanin”. |
|
Prima piesă a lui Ostrovsky a fost jucată pe scena Teatrului Maly. Aceasta este o comedie numită „Nu intra în propria sanie”. |
|
Scriitorul a scris un articol „Despre sinceritatea în critică”. A avut loc premiera piesei „Sărăcia nu este un viciu”. |
|
Alexander Nikolaevici devine angajat al revistei Sovremennik. De asemenea, participă la expediția etnografică Volga. |
|
Ostrovsky termină lucrările la comedia „Personajele nu s-au împletit”. Cealaltă piesă a lui, „A Profitable Place”, a fost interzisă din producție. |
|
Premiera dramei lui Ostrovsky „Furtuna” a avut loc la Teatrul Maly. Operele colectate ale scriitorului sunt publicate în două volume. |
|
„Furtuna” este publicat în tipărire. Dramaturgul primește Premiul Uvarov pentru asta. Caracteristicile creativității lui Ostrovsky sunt subliniate de Dobrolyubov în articolul critic „O rază de lumină într-un regat întunecat”. |
|
Drama istorică „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk” este publicată la Sovremennik. Încep lucrările la comedia „Căsătoria lui Balzaminov”. |
|
Ostrovsky a primit Premiul Uvarov pentru piesa „Păcatul și nenorocirea nu trăiește pe nimeni” și a devenit membru corespondent al Academiei de Științe din Sankt Petersburg. |
|
1866 (după unele surse - 1865) | Alexandru Nikolaevici a creat Cercul artistic și a devenit maistrul acestuia. |
Basmul de primăvară „Crăiasa Zăpezii” este prezentat publicului. |
|
Ostrovsky a devenit șeful Societății scriitorilor dramatici și compozitorilor de operă ruși. |
|
Alexandru Nikolaevici a fost numit în postul de șef al departamentului de repertoriu al teatrelor din Moscova. A devenit și șeful școlii de teatru. |
|
Scriitorul moare pe moșia sa de lângă Kostroma. |
Viața și opera lui Ostrovsky au fost pline de astfel de evenimente. Un tabel care indică principalele incidente din viața scriitorului va ajuta la studierea mai bună a biografiei sale. Moștenirea dramatică a lui Alexandru Nikolaevici este greu de supraestimat. Chiar și în timpul vieții marelui artist, Teatrul Maly a început să fie numit „casa lui Ostrovsky”, iar acest lucru spune multe. Lucrarea lui Ostrovsky, a cărei descriere scurtă este prezentată în acest articol, merită studiată mai detaliat.
Ostrovsky este primul dramaturg clasic rus. Înaintea lui au fost poeți. Scriitori... dar nu și dramaturgi
Ostrovsky a scris 48 de piese proprii, câteva cu studenții săi și a tradus mai multe piese (Îmblânzirea scorpiei și Cafeneaua lui Goldoni). În total, a oferit teatrului 61 de piese.
Înainte de Ostrovsky, doi copii ai părinților săi au murit în copilărie. Întreaga lor familie era spirituală. Unchiul meu este preot, tatăl meu a absolvit și seminarul și academia teologică, dar a devenit avocat. Și mama și fiica, faceți niște pâine. Unchiul meu m-a sfătuit să-i spun copilului Alexandru (apărătorul vieții). Toți eroii pieselor lui Ostrovsky au nume iconice! Sunt inventate și sunt și obișnuite. Katerina (veșnic pură, imaculată) crede în inocența ei! Deși ea săvârșește 2 păcate de moarte. Iar în zestre o va numi pe eroina Larisa (pescăruşul). Numai prin nume se poate înțelege despre caracter personajeși despre atitudinea autorului față de el.
Un alt moment important al vieții sale a fost munca lui în instanțe. Nu a absolvit facultatea și s-a străduit pentru o viață liberă. Tatăl a protestat. Era bogat și cumpăra case și dorea ca fiul său să-i calce pe urme. Dar Ostrovsky visa doar la teatru. Iar când a plecat de la universitate, tatăl său nu l-a lăsat pe loc și i-a luat un loc de muncă ca scrib într-o instanță conștiincioasă (de arbitraj) (cel care a plătit cel mai mult a câștigat.) Și apoi ca mic funcționar într-un birou comercial. Văzuse destule lucruri diferite și asta l-a împins la creativitate. „Falimentar” este o piesă care s-a născut în acest fel.
„The Picture of Family Happiness” - prima piesă publicată în 1847
Aceasta este o schiță a vieții negustorului. O lume a înșelăciunii și ipocriziei pe care se construiește întreaga societate. După setul de piese în două volume, Dobrolyubov va spune că toate relațiile din piesele lui Ostrovsky sunt construite pe două principii - principiul familiei (capul este opresorul) și cel material (cel care deține banii)
sfârşitul prelegerii 56.41
Ostrovsky nu este modul în care suntem obișnuiți să-l imaginăm într-un halat cu blană. Aveau o companie de 5 persoane (Apollo Grigoriev - poet, prozator, teoretician; Tertsy Filippov, Almazov, Edelson). Toți au lucrat pentru Pogodin (un profesor universitar) în revista „Moskvityanin.” Apollo Grigoriev i-a scris o epigramă lui Ostrovsky: Jumătate Falstaff, jumătate Shakespeare, disiparea și geniul sunt o combinație oarbă.
Era foarte iubitor. Agafya Ivanovna, o soție necăsătorită și o femeie analfabetă, nu a vrut să se căsătorească cu el pentru a nu-l dezonora. Au avut copii. Dar în acest moment s-a îndrăgostit de actrița Nikulina-Kositskaya. Și chiar a cerut-o în căsătorie, dar ea a refuzat. Apoi a început o aventură cu tânăra actriță Vasilyeva. Și a avut și copii. Agafya Ivanovna nu a suportat asta și a murit, apoi s-a căsătorit cu Vasilyeva.
Și îi plăcea să bea cu prietenii săi și să cânte grozav împreună. A avut succes cu asta
În 1849 a scris „Falimentul”, o piesă dură în tradiția școlii naturale. Este mai pământească decât piesele lui Gogol. A fost citită acasă la Pogodin. Această lectură a fost aranjată de contesa Rostopchina și Gogol a fost invitat acolo. Există o legendă conform căreia Gogol a spus mai târziu că talentul poate fi simțit în orice. Au fost unele neajunsuri tehnice, dar acest lucru va veni odată cu antrenamentul, dar în general toți sunt talentați. Dar cenzura nu a permis piesa să treacă, invocând faptul că nu a existat o singură persoană pozitivă. Toți sunt niște ticăloși. spuse Pogodin. Pentru ca Ostrovsky să-l schimbe puțin, să îl redenumească și să îl trimită din nou. El a făcut tocmai asta. a redenumit-o „Oamenii noștri, vom fi numerotați” și a semnat fin faliment și, într-adevăr, piesa a fost permisă. Și în 1950, în numărul 5 al revistei Moskvityanin, a fost publicat. Au început imediat să o pună în scenă în micul teatru. Shumsky - Podkholuzin, Prov Sadovsky - Bolshov. Dar înainte de premieră a venit o interdicție a producției. S-a amânat 11 ani! A fost montat pentru prima dată în 1961. Compoziția s-a schimbat. Prov Sadovsky a jucat Podkholuzin (Shumsky s-a îmbolnăvit), Tishka a fost jucat de fiul său Michal Provovich, Shchepkin a jucat Bolshoi.
Trei imagini cu Podkholuzin, Bolshov și Tishka - trei etape diferite ale dezvoltării capitalismului în Rusia
Bolșov, semianalfabet, gri, care nu se gândește la nimeni, se dovedește a fi o victimă a întunericului său
Podkholuzin înțelege că nu poți pur și simplu să furi (ca Bolșov) și el aranjează o căsătorie cu Lipochka și își însușește legal capitala Bolșoiului.
Tishka este un servitor. Are 3 monede. Și el gestionează aceste monede. Unul pentru dulciuri, unul pentru a împrumuta cu dobândă, al treilea pentru a se ascunde pentru orice eventualitate. Acest tip de eliminare a monedelor este deja viitorul îndepărtat al Rusiei
Această piesă este deoparte. Acesta este singurul picant în care toată lumea este rea. Viața l-a rupt pe autor și a scris diferite piese de teatru. A înțeles că o persoană conține atât bune, cât și rele și a început să scrie mai voluminos, scoțând personaje din viață. Îți va spune mai târziu. Nu este nevoie să inventăm povești, ele sunt peste tot în jurul nostru. Piesele sale se vor baza pe poveștile actorilor, prietenilor, procedurilor judiciare din cinema e Curtea din Moscova unde este moșia lui Shchelyk Oîn. Acolo și-a scris toate piesele.
Iarna este când concep intriga, primăvara și vara sunt când o prelucrez, iar toamna o aduc la teatru. Uneori mai mult de o piesă pe an. Burdin, prietenul lui de liceu, devenit un actor prost, dar un politician bun, și-a pus piesele prin cenzură la Sankt Petersburg, a jucat acolo rol principal iar apoi piesa a fost prezentată liber la Moscova. Dacă a fost pus în scenă la Sankt Petersburg, nu este nevoie să obțineți cenzură la Moscova.
A doua piesă, „Săraca mireasa”, a fost, de asemenea, interzisă de cenzură. A scris-o timp de 2 ani.
După interzicerea „vom număra oamenii noștri”, Ostrovsky a intrat sub dublă supraveghere (3 departamente - Comitetul Buturlinsky - supravegherea politică și supravegherea poliției - au monitorizat moralitatea lui Ostrovsky) Acesta a fost timpul domniei lui Nicolae 1. Acestea au fost dificile ani și piesele lui nu au apărut pe scenă.
53-55 este de 3 ani când Ostrovsky a făcut o anumită mișcare tactică care l-a salvat ca dramaturg. A scris 3 piese cu o astfel de înclinație slavofilă (slavofili (Aksakov, Pogodin) și occidentali (Herzen, Ogarev, Raevsky) - două mișcări care au luptat în prima jumătate a secolului al XIX-lea pentru viitorul Rusiei.)
„Nu intra în propria ta sanie”, „Sărăcia nu este un viciu”, „nu trăi așa cum vrei.” Aceste 3 piese nu sunt foarte profunde, dar dau autorului un drum spre scenă.
Ostrovsky are 2 tipuri de piese - numele proverbelor și atunci este clar cum se vor dezvolta și cum se vor sfârși lucrurile și cu un nume imprevizibil, prin care este dificil să-ți dai seama imediat de piesa (Thunderstorm, Zestre, Mad Bani)
„Sărăcia nu este un viciu”
Gordey Tortsov (mândru) - rușinat de fratele său
Îl iubim pe Tortsov (iubit) - un bețiv, un gardian, nu are unde să locuiască.
Piesa se joacă în perioada Crăciunului. Korshunov sosește să se căsătorească cu fiica lui Gordey, iar Lyubim o ajută pe Lyubushka să evite această soartă teribilă (Korshunov și-a ucis fosta soție, pe cine a ruinat?) Gordey este un tiran. La întrebarea - cui îi vei da fiicei tale? El răspunde - Da, cel puțin pentru Mitka! (Acesta este un funcționar care are dragoste reciprocă cu Lyubushka) Aceasta pare a fi o glumă, dar Lyubim îi ajută pe tineri să-și găsească fericirea. Această piesă a fost un succes răsunător.
„Nu intra în propria sanie” este prima piesă care a apărut. Au jucat într-un teatru mare cu o adunare mare. Nikulina-Kositskaya a jucat pe Avdotya Maksimovna, Prov Sadovsky a jucat Bolshoi.
Era neobișnuit să o vezi pe actriță într-o rochie simplă de chintz. De obicei, actrițele ieșeau în ținute luxoase. A fost un succes total.
Următoarea premieră a fost „Sărăcia nu este un viciu” (1854) și a fost o premieră asurzitoare. Publicul i-a plăcut atât de mult pe P. Sadovsky, încât Apollo Grigoriev a scris în articolul său: Mai larg drumul, vine dragostea Tortsov!
Dar a scris și o poezie întreagă despre Sadovsky în acest rol.
În literatură puteți găsi o declarație. Că Șcepkin nu l-a acceptat pe Ostrovsky. Au avut relații dificile. Ivanova nu crede asta. Shchepkin nu putea fi în relații răi cu nimeni. Aici s-au ciocnit două ere. Herzen a scris că Shchepkin nu a fost teatral la teatru. Trebuie să înțelegem. Că gradul de non-teatralitate este dialectic și flexibil. Când ascultăm astăzi înregistrări ale Teatrului de Artă din Moscova, auzim teatralitate și exagerare. Fiecare generație își propune propria măsură de simplitate. Shchepkin, deși nu este o persoană de teatru la teatru, încă trăiește într-o eră romantică. Iar stilul lui de a percepe viața este romantic.
P. Sadovsky îl creează pe Tortsov într-un mod foarte naturalist (murdar, beat, nu bun) și Apollo Grigoriev îl laudă pentru asta. Dar Șcepkin nu acceptă un astfel de Tortsov.
În 1954, Shchepkin este la putere și poate spune unui actor mai tânăr, treceți, eu însumi îl voi juca pe Lyubim Tortsov. Dar el nu o face. Îi scrie lui Nijni Novgorod și îi cere să ia o bicicletă. Postează piesa lui Ostrovsky, învață-o și voi veni să joc Lyubim Tortsov. Asta se intampla. Merge și joacă. Pentru P. Sadovsky, socialul este important. Poziția lui Tortsov, murdăria lui, pentru Shchepkin înălțimea sa morală și puritatea interioară sunt importante. El interpretează acest personaj în mod romantic. El îl ridică deasupra lumii pe care Sadovsky o dezvăluie.
Șcepkin a jucat și la Bolșoi. Îl înmoaie și îl justifică. În final îmi pare rău pentru el. În 1961, cenzura, care a permis producția, cere pedepsirea personajelor negative, iar teatrul introduce un polițist, care în final vine să-l aresteze pe Podkholuzin. Iar Sadovsky îl ia pe polițist de cot, îl conduce în fața scenei și îi dă o grămadă de bani. Aceasta este punerea în scenă a unui actor, dar, făcând aceasta, corectează interferența cenzurii, a guvernului și a conducerii teatrelor imperiale, care au vrut să reducă sunetul piesei.
În 1855, Nikolai-1 a murit și Ostrovsky a beneficiat de acest lucru. Iar asuprirea domniei sale de la 25 la 55 se va potoli. După răscoala decembristă, a văzut conspirație peste tot și în toate. Arestările și supravegherea strictă vor trece toate acum. Fiul său Alexandru -2 vine la putere. Se schimbă multe. Ostrovsky este eliberat de sub supraveghere și pleacă la Sankt Petersburg. El este întâmpinat de toți scriitorii (printre ei Tolstoi și Kraevski și Nekrasov și Saltykov-Șcedrin), și este aranjată o cină de gală. Ei depun o coroană, ale cărei panglici sunt ținute de Goncharov și Turgheniev. I se oferă să publice în Otechestvennye zapiski și Sovremennik. Apoi Ostrovsky pleacă într-o expediție de-a lungul Volgăi, organizată de Societatea Geografică Rusă (El a alcătuit un dicționar de cuvinte din Volga, a adunat comploturi și a conceput o trilogie, dar ar scrie o singură piesă, „Visul pe Volga”) În general, în multe dintre piesele lui Ostrovsky există Volga (ficțiune de domnul Kalinov în Furtună, Zestre și Inimă caldă)
În secolul al XIX-lea au existat mulți dramaturgi și modele de teatru care au compus un anumit complot în jur triunghi amoros. Toate aceste piese erau de același tip. Au fost compusi.
Ostrovsky a oferit materialului posibilitatea de a se dezvolta, a dat un volum care vine din viață, chiar și în piese de proverb.
În piesa „Nu este tot Maslenitsa pentru pisici”, autorul va finaliza dezvoltarea imaginii unui comerciant tiran. El dezvăluie o astfel de trăsătură de caracter. Prima dată când vorbește despre asta este în piesa „La sărbătoarea altcuiva, o mahmureală.” Tit Titovici Bruskov, personajul principal, un negustor analfabet care s-a îmbogățit, nu-i permite fiului său Andrei să studieze, pentru că nu are vezi nevoia. O1.28.31 tocmai în această piesă va apărea acest concept - tiran. Apoi Ostrovsky folosește această temă a tiraniei în diferite grupuri sociale. În „Elevul” tiranul nobil Ulanbekova, în „Pădurea” de Gurmyzhskaya, în „Locul profitabil” de Yusov, în „Furtuna” de Dikaya. Dar principalii tirani sunt negustorii. În „Inimă caldă” Kuroslepov și Khlynov sunt figuri minunate. Kuroslepov - răzbunare pe Prov Sadovsky. În „Visul pe Volga” există un loc în care guvernatorul adoarme. Și într-o zi Sadovsky chiar a adormit în acest loc. Ostrovsky l-a ridiculizat în Kuroslepov și i-a atribuit acest rol. Kuroslepov doar doarme și mănâncă.
Khlynov este un om bogat, bea, organizează jocuri. Își îmbracă oamenii în tâlhari și iese pe autostradă pentru a speria trecătorii.
Dezvoltarea acestei imagini a unui astfel de comerciant vine la piesa „Nu totul este Maslenitsa pentru pisică” 31.01.54
Există un negustor tiran Akhov. Acesta este ultimul negustor tiran al lui Ostrovsky.
El o atrag pe biata zestre Agnia, ea o refuză și se căsătorește cu nepotul său Hippolytus. Iar nepotul său, amenințându-l cu un cuțit, ia banii să se căsătorească cu Agnia. Iar colega de cameră și servitoarea lui spune că s-a rătăcit în camera lui și a început să se comporte prost. Aceasta este o astfel de hiperbolă, foarte importantă. El pare să fie conducătorul și nu poate realiza nimic. Le cere tinerilor să măture curtea. El este gata să plătească pentru nuntă, doar trimite-mi. Dar ei refuză. Și este confuz...
Următoarea piesă este „Mad Money” și comerciantul Vasilkov, care îmbină dragostea pentru Lydia Cheboksarova cu profit. Este important pentru el să se căsătorească cu ea pentru a se ridica într-un alt cerc social (ea este o nobilă).
Knurov și Vozhevatov în „Zestrea” o joacă pe Larisa la tragere la sorți pentru a o duce la Paris. Aceștia nu mai sunt negustori analfabeti. Aceștia nu mai sunt tirani, ci capitaliști. Ei merg la o expoziție industrială la Paris.
„Ultima victimă” este comerciantul-capitalistul Pribytkov. Colectioneaza tablouri. Iulia Tukina.
Picturile sale sunt doar originale; el o va asculta pe Pati (superstarul sopranei italiene de calatură) la operă. În anii 1980, acesta era deja un nivel familiar pentru Rusia. 01.35.50
Tretiakov colecționează picturi rusești. Shchukin colectează picturi impresioniste. Ryabushinsky publică revista „Lână de aur” 1.36.51 Pentru această publicație rusă. artiștii pictează portrete ale dramaturgilor și actorilor (Serov - portretul lui Blok, Ulyanov - Meyerhold în rolul lui Pierrot din „The Showcase”). Bakhrushin adună relicve de teatru. Mamontov va crea o operă privată rusă și va educa Chaliapin. Morozov este asociat cu teatrul de artă. Este acționar al teatrului care tocmai s-a născut în 1998. În 1902, a construit o clădire pentru ei pe Kamergersky Lane.
În Pribytkov, Ostrovsky a subliniat trăsăturile acestor negustori și patroni ai artelor. Cheltuiesc banii cu înțelepciune. Ei stabilesc Rusia. În cele din urmă, toate acestea merg la stat.
Majoritatea pieselor lui Ostrovsky sunt despre negustori. Dar el acordă o mare atenție subiectului - soarta unei tinere. Începând cu The Poor Bride, Ostrovsky explorează poziția femeilor în societatea rusă. Marya Andreevna este atât de săracă încât în orice moment își va pierde adăpostul și hrana. Este îndrăgostită de Meric. Este slab de voință, lipsit de inițiativă, o iubește, dar nu poate ajuta, nu are bani. Și, ca urmare, se căsătorește cu Benivalyavsky, care alege o fată care nu are nimic ca soție. Asta înseamnă că ea va fi complet dependentă de el și el o va tiraniza. Marya Andreevna înțelege acest lucru, dar nu are de ales.
Nadya de la grădiniță este și ea forțată să se căsătorească. Ulanbekova i-a dat totul și, prin urmare, a dispărut de ea ca proprietate. Tyranila. Ea a destinat-o să fie soția unui monstru beat și crede că moralitatea înaltă a Nadyei îl va ajuta și îl va corecta. Dar Nadya aleargă pe insulă cu fiul lui Ulanbekova și își petrece noaptea acolo. Apoi ea spune: nu va mai exista viață. Totul s-a terminat.
Următoarea pe această listă este Katerina în The Thunderstorm. S-a născut din prietenia cu Nikulina-Kositskaya (despre cum a navigat cu o barcă fără vâsle și despre cum a văzut îngeri într-un stâlp de lumină - acestea sunt poveștile lui N-Kositskaya). Dar actrița însăși este mai multifațetă decât Katerina. E multă Varvara în ea. Cântă și are umor și un talent enorm. Ostrovsky a scris Katerina pentru ea. Varvara și Katerina sunt două părți ale aceluiași personaj. Katerina a fost dăruită fără dragoste. Și îi este greu să-și iubească soțul. Tikhon sub conducerea lui Kaban Și hee fără cuvinte. Dacă ar fi existat un copil, Boris nu ar fi apărut în viața ei. Dar nu a putut rămâne însărcinată dintr-un bețiv și un slab. Și Boris apare din necaz și deznădejde. Kabanikhs erau numele dat pietrelor uriașe care erau așezate la răscruce de drumuri. Pentru ca tripleții să nu se ciocnească. La fel și soacra Katerinei. Pe drum nu poți ocoli pe toți, nu poți ocoli pe ei. Ea apasă în jos cu greutatea ei. Katerina se aruncă în apă nu din cauza presiunii soacrei ei, ci din cauza trădării lui Boris. El o părăsește, nu o poate ajuta, nu o iubește.
Cine, cu dragoste, i-ar dori iubitei sale o moarte rapidă? Și el spune că ar trebui să moară repede, ca să nu sufere atât de mult.
Katerina este o persoană evlavioasă. Ea cade în genunchi în fața frescei Judecății de Apoi în timpul unei furtuni și se pocăiește. Și poate, săvârșind primul păcat de moarte, ea se pedepsește săvârșind al doilea păcat de moarte, pentru a primi pedeapsa deplină de la Dumnezeu. Deși Ostrovsky îi dă un nume care înseamnă puritate.
Furtuna este un nume multifuncțional. Ea este prezentă în toate. Nu numai în natură.
Următoarea Larisa. Ea nu poate să se sinucidă. Ea alege între a muri sau a deveni un lucru. Karandyshev vrea să se căsătorească pentru a se ridica în ochii societății. Atât Knurov, cât și Vozhevatov îl joacă ca pe un lucru. Și în cele din urmă va lua o decizie - dacă este un lucru, atunci un lucru scump. Ostrovsky o salvează pe Larisa murind în mâinile lui Karandyshev. Și când o ucide, o tratează ca pe un lucru (deci nu primi de la nimeni).
Iulia Tugina este o văduvă care se căsătorește cu Pribytkov.
Secolul al XIX-lea - o femeie trebuie să se căsătorească pentru a supraviețui. La sfârșitul secolului al XIX-lea, ea a avut ocazia să devină guvernantă și să devină însoțitoare. Dar nici asta nu este bine... o existență mizerabilă. Dependența... acestea sunt deja teme cehoviane.
Ostrovsky găsește o altă ieșire pentru femei - teatrul. În secolul al XIX-lea, actrițele au apărut deja în teatru. Dar există o astfel de lege - dacă un nobil devine actor, atunci își pierde afilierea cu nobilimea. Și negustorul părăsește breasla negustorilor. Și viața unei actrițe este întotdeauna discutabilă. Îl poți cumpăra. În „Talente și admiratori”, Ostrovsky va arăta viața lui Negina în acest fel.
Adevărat, în ultima sa piesă, „Vinovat fără vinovăție”, el scrie o melodramă cu final fericit. Acolo actrița se ridică deasupra tuturor. devine mare și își dictează propriile reguli. Dar este 1984, sfârșitul secolului al XIX-lea.
„Crăiasa Zăpezii” s-a născut în Shchelykovo. Există natură, pădure neatinsă. Aceasta este o piesă despre bucuria vieții. Despre armonie în viață. Despre fluxul obiectiv al vieții. Armonia ar trebui să înveselească toate tragediile. În cele din urmă, eroii mor. Fecioara Zăpezii s-a topit, Mizgir s-a aruncat în lac, dizarmonia tocmai a părăsit această așezare. Fecioara Zăpezii a fost un început străin, neobișnuit, care a invadat așezarea dintr-un basm. Și Mizgir este un trădător, a abandonat-o pe Kupava. Și când mor, vin armonia, pacea și fericirea. Piesa a fost scrisă pentru Fedotova. Ostrovsky a scris adesea piese pentru anumiți actori. Tolstoi a râs de el și apoi a început să facă el însuși același lucru.
De asemenea, a scris „Vasilisa Milentyev” pentru Fedotova 01.58.26
Această piesă a fost inventată de Gedeonov Jr. (directorul teatrelor imperiale). Ostrovsky l-a ajutat să-și aducă în minte această piesă. La fel ca în „Căsătoria lui Belugin” și „Sălbatic” ar trebui să existe 2 nume ale autorilor. Acestea sunt piese de teatru scrise cu elevii. Mai ales cu Solovyov.
Ostrovsky are linia unui tânăr cu studii universitare. Care intră în viață. Acesta este Zhadov în „Locul profitabil”. În „The Poor Bride”, Ostrovsky a încercat să creeze o astfel de imagine a lui Merich. Dar acesta este eșecul lui. Ostrovsky a încercat la un moment dat să trăiască în două proiecții ale teatrului realist pe care l-a creat și a privit înapoi în teatrul romantic, prin Merich. Două direcții s-au ciocnit în piesă și a devenit grea.
Zhadov este un om fără bani, urmează o cale pură. Ostrovsky spune despre el că este ca un pom de Crăciun împodobit. Nu are nimic al lui. El a adus toate aceste idealuri de la universitate, dar nu a suferit pentru ele. De aceea face prostii. În primul rând, se căsătorește cu Polina fără zestre, neavând nimic pe numele său. În secolul al XIX-lea a fost chiar o crimă. Oficialii au primit permisiunea de a se căsători. Soțul trebuie să-și asume responsabilitatea pentru soția sa. Și Zhadov îi spune sincer Polinei că își vor câștiga pâinea cinstit, dar ea nu știe cum. Ea se străduiește să părăsească repede protecția mamei sale și se căsătorește. Și din aceasta se naște toată tragedia.
Cernîșevski și Dobrolyubov i-au reproșat lui Ostrovsky că l-a salvat pe Zhadov scriind un astfel de final - arestarea lui Iusov și Vyshnevsky.
În piesa „The Deep” Ostrovsky continuă tema unui astfel de tânăr. Kiselnikov, spre deosebire de Zhadov, care a reușit să se căsătorească și să aibă copii, este forțat să se sacrifice pentru bunăstarea familiei sale. El săvârșește o infracțiune pentru care primește bani. Va muri, va fi închis.
Continuând tema lui Glumov din „Simplitatea este suficientă pentru fiecare om înțelept”, omul este un proteus - inteligent, rău. El știe să se apere singur. Dar în acest caz, o educație universitară îi va juca o glumă crudă. Dacă ar fi fost mai simplu, ca Zhadov, nici atât de rău și deștept, nu ar fi scris acest jurnal. Iar Glumov, înțelegându-și situația și dorind să iasă din această situație, are grijă de mătușa lui, îl lingușește etc., iar în cele din urmă se lasă străpuns. Și va renunța pentru totdeauna la visele sale viață mai bună. Nu va mai executa niciodată această înșelătorie a lui.
Ostrovsky ne va arăta Glumova înapoi în „Mad Money” și înțelegem că nu a reușit nimic.
Ostrovsky are o piesă „The Characters Didn’t Mesh” în care un tânăr Paul se căsătorește cu soția unui comerciant bogat în speranța de a-și gestiona averea. Dar ea dă repede clar că el nu va primi banii. Și ei fug.
Și pentru ca Glumov să aibă această fericire, el trebuie să fie Balzaminov și să se căsătorească cu prostul Belotelova, care acceptă să-l scalde în aur. Dar acesta este vodevil. Joc fantezie. Și nu este o coincidență că Ostrovsky îl prezintă pe Glumov în „Banii nebuni” pentru a arăta că nu va fi fericit. Și spre deosebire de Vasilkov, care se oferă să înmulțească banii și să-i facă să funcționeze, Glumov se va căsători cu bani și, desigur, nimic bun nu îl așteaptă.
Și mai există un tânăr, Petya Meluzov în „talente și admiratori” - profesorul lui Negina. Rămâne fără nimic și pleacă atât de invincibil. Declararea fanilor. Că tu corupi, iar eu luminez.
Vorbind despre Meluzov, îmi amintesc de Petya Trofimov. Sunt foarte asemănătoare și asta este impresia. Că Cehov îl citează pe Ostrovski. Petya Trofimov este ca viitorul lui Petya Meluzov. Este un idealist și, prin urmare, nu va obține niciodată un rezultat pozitiv
Ostrovsky se joacă cu imagini și, pe măsură ce scrie piese noi, se poate urmări dezvoltarea acestor imagini.
„Lupi și oi” (1868) este o piesă din viață. Ostrovsky l-a scos din sala de judecată, unde se judeca cazul stareței Mitrophania, născută baronesa Rosen. Ea, ca și Murzavetskaya, a fost implicată în falsuri și practic a jefuit negustori proști. Acest caz a fost judecat de o instanță civilă, deși, de obicei, clerul nu le permitea celor lor să meargă la instanța de stat. Aveau propria lor curte spirituală. Dar cazul era atât de tare încât era imposibil să se facă altfel. Ostrovsky a visat să scrie despre mănăstire, dar cenzura nu i-a permis. Clerul nu poate fi adus pe scenă. Și înființează o astfel de mănăstire în sens figurat. Murzavetskaya însăși este în negru, la fel și umerașele ei. Iar condițiile de acolo sunt atât de stricte și monahale.
Aceasta este legea vieții. Cineva este un lup, cineva este o oaie. Și la un moment dat pot schimba rolurile (schimbări dialectice). Glafira se transformă dintr-o oaie într-un lup. Ne gândim la Lynyaev ca la o oaie, dar în cele din urmă el dezvăluie toată crima lui Murzavetskaya și găsește sursa tuturor scandalurilor care au loc în jurul Kupavinei. Pentru toți lupii prezenți în piesă, apare cel mai important lup, Vulturii de Aur. Murzavetskaya își dă seama că a devenit o oaie și îi cere lui Berkutov să o părăsească, chiar dacă este un lup rău.
Ostrovsky are multe teme. Sunt multe piese despre teatru. Din aceste piese putem judeca teatrul secolului al XIX-lea. Cum este teatrul în provincii? („Pădurea”, „Talente și fani”, „Vinovați fără vină”)
Talentul nu poate pătrunde, pentru că fanii îl cumpără și încearcă să-l umilească și să-l facă dependent, și numai în melodrama „Vinovat fără vinovăție” Kruchinin se transformă dintr-o tânără suferindă Lyubov Ivanovna Otradina într-o actriță genială, pentru că va trece pe calea pierderii și a tragediei și, în cele din urmă, va câștiga talentul unei actrițe pentru care nimic nu este înfricoșător. Și în cele din urmă își va găsi fiul. Ostrovsky înțelege că teatrul este într-o stare deplorabilă, că trei repetiții nu sunt suficiente pentru o producție. A încercat să ajute cumva. Faceți comentarii, dar toate acestea sunt firimituri. Odată a cerut să înlocuiască un fundal rupt pentru piesa „Visul pe Volga”, iar în ziua premierei a văzut un fundal cu un peisaj de iarnă, iar în piesa sa era vară...
Martynov (primul interpret al lui Tikhon Kabanova), Prov Sadovsky (cel mai apropiat prieten al lui Ostrovsky) și Nikulina-Kositskaya sunt actori care s-au format în prima jumătate a secolului al XIX-lea și au venit la teatru înainte de Ostrovsky. L-au idolatrizat pentru piesele lui.
Savina, Strepetova, Davydov, Varlamov, Lensky, Yuzhin, Shchepkin - devin actori în teatrele imperiale, fiind la un moment dat actori provinciali. Apoi au cerut debutul în teatru (nu au plătit pentru debut) și au rămas în capitale.
Ostrovsky nu-i place această situație. Oamenii fără școală nici măcar nu sunt pregătiți pentru acest rol. În 1738 a fost deschisă o școală (balet și cor). Astfel de școli apar la Moscova și Sankt Petersburg. Copiii de la 8,9 ani au fost duși acolo și au predat balet. Baletul a devenit baza școlii imperiale (această cale a fost urmată de Ermolova, Fedotova, Semenova, Martynov). După aceea, puteai alege 3 căi - balet, actorie dramatică sau să devii artist de teatru (au fost cursuri de pictură)
Tuberculoza a fost o boală comună a actorilor din secolul al XIX-lea. Praf, deschide focul. Dansând în vodevil... actori mor la vârsta de 40 de ani.
Ostrovsky a observat acest lucru și și-a dedicat articolele actrițelor. Într-una dintre ele o compară pe Savina și Strepetova și scrie că Savina, care poate juca până la 15 roluri pe sezon, este destul de profitabilă pentru teatru, în timp ce Strepetova, care trăiește pe scenă și după spectacol se lasă dusă și apoi ia 2. săptămâni pentru a-și veni în fire, nu este benefic pentru teatrul imperial. Publicul din secolul al XIX-lea a mers să-l vadă pe actor. Și când actorul era bolnav, piesa a fost filmată. Nu au fost înlocuitori. În 1865, Ostrovsky a creat un cerc artistic. M.P. Sadovsky și soția sa Olga Osipovna Lazareva (Sadovskaya) vor fi crescuți în acest cerc. Va încerca să-i învețe pe acești actori care au fost crescuți în dramaturgia lui. Ostrovsky luptă împotriva monopolului teatral. Ia parte la întâlniri și în curând devine convins că totul este inutil. Acolo fiecare își caută propriul beneficiu și nu-i pasă de teatru. Și îi vine ideea de a-și crea propriul teatru.
În 1881 a primit permisiunea de a crea un teatru popular. Este imposibil să creezi un teatru privat. Monopolul teatral nu permite acest lucru la Moscova. El caută un sponsor. Și în 1982 monopolul a fost abolit, iar teatrele private au crescut în număr mare și au devenit concurenți pentru Ostrovsky, așa că a abandonat ideea unui teatru popular. Și singurul mod în care putea ajuta teatrul era să lucreze acolo. Devine șeful școlii de repertoriu și teatru. Dar îi este greu. Nu le place, nu este confortabil, nu este afectuos, nu are principii. Dar tot începe să reconstruiască teatrul, dar în vara lui 86 moare brusc și teatrul revine la vechile obiceiuri. Iar Teatrul de Artă din Moscova, născut 12 ani mai târziu, se va baza în mare măsură pe reformele pe care Ostrovsky intenționa să le implementeze. În primul rând, a visat la un teatru de repertoriu. El a vrut să creeze un teatru național rusesc pentru că este un semn al majorității națiunii.
Punctul culminant al dramei rusești din perioada analizată este opera lui Alexandru Nikolaevici Ostrovsky (1823-1886). Prima comedie „mare” a lui Ostrovsky „Poporul nostru – vom fi numărați!” (1850) a dat o idee clară despre un nou teatru original, Teatrul Ostrovsky. Evaluând această comedie, contemporanii au amintit invariabil de clasicii comediei ruse - „Minorul” de Fonvizin, „Vai de inteligență” de Griboedov, „Inspectorul general” de Gogol. Cu aceste lucrări „repere” ale dramei rusești, au pus la egalitate comedia „Falimentar („Propriul nostru popor - vom fi numărați!”).
Acceptând punctul de vedere al lui Gogol asupra semnificației comediei sociale, fiind atent la gama de teme pe care le-a pus în dramaturgie și la intrigile pe care le-a introdus în acest gen, Ostrovsky a dat dovadă încă de la primii pași ai drumului său literar de o deplină independență în interpretarea conflictelor moderne. Motivele pe care Gogol le-a interpretat ca fiind secundare deja în primele lucrări ale lui Ostrovsky devin nervii care determină acțiunea și ies în prim-plan.
La începutul anilor '50, dramaturgul credea că conflictele sociale moderne erau la maxim
grade se fac simțite în mediul comerciantului. Această clasă i se părea a fi un strat în care trecutul și prezentul societății se contopeau într-o unitate complexă, contradictorie. Clasa comercianților, care a jucat mult timp un rol semnificativ în viața economică a țării și uneori a luat parte la conflicte politice, este legată de multe fire de relații familiale și de afaceri, pe de o parte, cu păturile inferioare ale societății ( țărănimea, mica burghezie), pe de altă parte, cu clasele superioare, în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. și-a schimbat aspectul. Viciile care afectează mediul negustoresc și pe care scriitorul le expune în piesele sale, le analizează, dezvăluindu-le rădăcini istoriceși anticipând posibilele lor manifestări în viitor. Deja în titlul comediei „Propriul nostru popor - vom fi numărați!” se exprimă principiul omogenităţii eroilor săi. Asupritorii și asupriții din comedie nu numai că formează un singur sistem, dar adesea își schimbă locurile în el. Un negustor bogat, un rezident al Zamoskvorechye (partea cea mai patriarhală a Moscovei patriarhale), convins de dreptul său de a controla fără răspundere soarta membrilor familiei sale, își tiranizează soția, fiica și angajații „instituțiilor” sale. Cu toate acestea, fiica sa Lipochka și soțul ei Podkhalyuzin, un fost funcționar și favorit al lui Bolshov, îl „răsplătesc” pe deplin. Îi însuşesc capitalul şi, după ce i-au ruinat frăţiorul, îl trimit cu cruzime şi cu sânge rece la închisoare. Podkhalyuzin spune despre Bolșov: „Va fi suficient pentru ei - au făcut minuni în timpul vieții lor, acum este timpul pentru noi!” Așa se dezvoltă relațiile între generații, între tați și copii. Progresul aici este mai puțin vizibil decât continuitatea și, în plus, Bolșov, cu toată simplitatea sa crudă, se dovedește a fi mai puțin primitiv din punct de vedere psihologic decât fiica și ginerele său. Întruchipând cu acuratețe și viu în personajele sale apariția „viciilor și neajunsurilor moderne observate în secol”, dramaturgul a căutat să creeze tipuri care au o semnificație morală universală. „Am vrut”, a explicat el, „ca publicul să marcheze viciul cu numele de Podkhalyuzin în același mod în care marchează cu numele de Harpagon, Tartuffe, Minor, Hlestakov și alții”. Contemporanii l-au comparat pe Bolșov cu regele Lear, iar Podkhalyuzin a fost numit „Tartuful rus”.
Străin de orice fel de exagerare, evitând idealizarea, autorul conturează clar contururile figurilor pe care le înfățișează și le determină scara. Orizonturile lui Bolshov se limitează la Zamoskvorechye; în lumea sa limitată, el trăiește toate sentimentele pe care un conducător, a cărui putere este nelimitată, le trăiește la o scară diferită. Puterea, puterea, onoarea, măreția nu numai că îi satisfac ambiția, dar îi copleșesc sentimentele și îl obosesc. Este plictisit, împovărat de puterea lui. Această dispoziție, combinată cu o credință profundă în statornicia fundațiilor familiale patriarhale, în autoritatea sa de șef al familiei, dă naștere unui impuls brusc al generozității lui Bolșov, care dă tot ceea ce a dobândit „la cămașă” fiicei sale. și Podkhalyuzin, care i-a devenit soț.
În această întorsătură a intrigii, comedia despre un faliment rău intenționat și un funcționar viclean se apropie de tragedia lui Shakespeare „Regele Lear” - conflictul căutării profitului se dezvoltă într-un conflict de încredere trădată. Cu toate acestea, privitorul nu poate simpatiza cu dezamăgirea lui Bolșov, o trăiește ca fiind tragică, la fel cum nu poate simpatiza cu dezamăgirea chiritorului și a avocatului, care și-au vândut serviciile lui Podkhalyuzin și au greșit în calculele lor. Piesa este în genul comediei.
Prima comedie a lui Ostrovsky a jucat un rol deosebit atât în destinul creativ al autorului, cât și în istoria dramei rusești. Supus unei interdicții stricte de cenzură după publicarea sa în revista Moskvityanin (1850), nu a fost pus în scenă de mulți ani. Dar această comedie a deschis o nouă eră în înțelegerea „legilor scenei” și a anunțat apariția unui nou fenomen al culturii ruse - teatrul lui Ostrovsky. În mod obiectiv, conținea ideea unui nou principiu al acțiunii scenice, comportamentul unui actor, formă nouă recreând adevărul vieții pe scenă și divertismentul teatral. Ostrovsky s-a adresat în primul rând publicului de masă, „publicului proaspăt”, „care necesită dramă puternică, comedie majoră, evocând râsete sincere, zgomotoase, sentimente fierbinți, sincere, pline de viață și caractere puternice" Reacția imediată a spectatorului democrat a servit drept criteriu dramaturgului pentru succesul piesei sale.
Prima comedie a uimit prin noutatea sa într-o măsură mai mare decât piesele ulterioare ale lui Ostrovsky, care și-au făcut loc pe scena teatrului și l-au forțat să fie recunoscut drept „dramaturg de repertoriu”: „Săraca mireasa” (1852), „Nu Intră în propria sanie” (1853) și „Sărăcia nu este viciu” (1854).
„Săraca mireasă” a reflectat, dacă nu o schimbare în poziția ideologică a scriitorului, atunci dorința de a aborda o nouă abordare a problemei comediei sociale. Unitatea dramatică a piesei este creată de faptul că în centrul ei stă o eroină a cărei poziție este tipică din punct de vedere social. Ea pare să întruchipeze ideea generală a poziției unei domnișoare fără zestre. Fiecare „linie” de acțiune demonstrează atitudinea unuia dintre concurenți pentru mâna și inima Mariei Andreevna
pentru ea și reprezintă o variantă a relației unui bărbat cu o femeie și a soartei feminine care decurge dintr-o astfel de relație. Formele tradiționale general acceptate de relații de familie sunt inumane. Comportamentul „pețitorilor” și viziunea lor asupra frumuseții care nu are zestre nu îi promite o viață fericită.
Astfel, „Săraca mireasă” aparține, de asemenea, direcției acuzatoare a literaturii, pe care Ostrovsky o considera cea mai potrivită cu caracterul și mentalitatea societății ruse. Dacă Gogol credea că „îngustimea” „complotului amoros” contrazice sarcinile comediei sociale, atunci Ostrovsky își evaluează starea tocmai prin reprezentarea iubirii în societatea modernă.
În „Săraca mireasă”, în timp ce lucra la care Ostrovsky, din propria recunoaștere, a întâmpinat mari dificultăți creative, a reușit să stăpânească câteva tehnici noi de construire a acțiunii dramatice, pe care le-a aplicat mai târziu în piesele cu conținut dramatic sau tragic. Patosul piesei își are rădăcinile în experiențele eroinei, înzestrată cu capacitatea de a simți puternic și subtil, și în poziția ei într-un mediu care nu o poate înțelege. Această construcție a dramei a necesitat o dezvoltare atentă a personajului feminin și o portretizare convingătoare a circumstanțelor tipice în care se află eroul. În The Poor Bride, Ostrovsky nu a reușit încă să rezolve această problemă creativă. Totuși, în linia secundară a comediei a fost găsită o imagine originală, independentă de stereotipurile literare, întruchipând trăsăturile specifice ale poziției și mentalității unei simple rusoaice (Dunya). Caracterul încăpător și divers conturat al acestei eroine a deschis în opera lui Ostrovsky o galerie de imagini ale femeilor simple la minte, a căror bogăție a lumii spirituale „valorează mult”.
Să dea voce unui reprezentant al păturilor sociale inferioare, „neeuropenizate”, să facă din el un erou dramatic și chiar tragic, să exprime patosul experiențelor în numele său într-o formă care să îndeplinească cerințele stilului realist, adică astfel încât vorbirea, gestul și comportamentul lui să fie recunoscute și tipice, - asta a fost sarcină dificilă, stând în fața autorului. În lucrările lui Pușkin, Gogol și în special ale scriitorilor anilor 40, în special Dostoievski, s-au acumulat elemente artistice care i-ar putea fi utile lui Ostrovsky în rezolvarea acestei probleme specifice.
La începutul anilor '50, în jurul lui Ostrovsky s-a format un cerc de scriitori, admiratori înfocați ai talentului său. Au devenit angajați și, de-a lungul timpului, „tânărul redacție” al revistei Moskvityanin. Teoriile neo-slavofile ale acestui cerc au contribuit la interesul crescut al dramaturgului pentru formele tradiționale de viață și cultură națională și l-au înclinat să idealizeze relațiile patriarhale. S-au schimbat și ideile sale despre comedia socială, mijloacele și structura ei. Astfel, declarând într-o scrisoare către Pogodin: „Este mai bine ca un rus să se bucure când se vede pe scenă decât să fie trist. Correctori se vor găsi chiar și fără noi”, a formulat, de fapt, o nouă atitudine scriitorul față de sarcinile comediei. Tradiția mondială a comediei, pe care Ostrovsky a studiat-o cu atenție, a oferit multe exemple de comedie plină de umor vesel care a afirmat idealurile sentimentelor imediate, naturale, tinereții, curajului, democrației și, uneori, gândirea liberă.
Ostrovsky a vrut să bazeze o comedie de afirmare a vieții pe motive folclorice și tradiții ale jocului popular. Fuziunea dintre intrigile populare poetice, balade și sociale poate fi deja remarcată în comedia „Nu intrați în propria sanie”. Complotul despre dispariția, „dispariția” unei fete, cel mai adesea fiica unui comerciant și răpirea ei de către un seducător crud a fost împrumutat din folclor și popular printre romantici. În Rusia, a fost dezvoltat de Jukovsky („Lyudmila”, „Svetlana”), Pușkin („Mirele”, visul Tatianei în „Eugene Onegin”, „Agentul de stație”). Situația „răpirii” unei fete simple de către o persoană dintr-un mediu social diferit - un nobil - a fost interpretată acut în termeni sociali de către scriitorii „școlii naturale”. Ostrovsky a ținut cont de această tradiție. Dar aspectul de folclor și baladă legendară nu era mai puțin important pentru el decât cel social. În piesele ulterioare din primii cinci ani ai anilor 50, importanța acestui element crește. În „Sărăcia nu este un viciu” și „Nu trăi așa cum vrei”, acțiunea se desfășoară în timpul sărbătorilor calendaristice, însoțită de numeroase ritualuri, a căror origine se încadrează în vechile credințe păgâne, iar conținutul este alimentat de mituri. , legende și basme.
Și totuși, în aceste piese ale lui Ostrovsky, complotul legendar sau de basm a „încolțit” cu probleme moderne. În „Don’t Get in Your Own Sleigh”, o coliziune apare ca urmare a unei invazii externe a unui mediu patriarhal, care este conceput ca ignorant a contradicțiilor interne semnificative, a unui nobil - un „vânător” de mirese comerciant cu o zestre bogată. În „Sărăcia nu este un viciu”, dramaturgul descrie deja mediul negustor ca pe o lume care nu este lipsită de conflicte interne grave.
Alături de poezia ritualurilor populare și a sărbătorilor, el vede sărăcia fără speranță a muncitorilor, amărăciunea dependenței muncitorului de proprietar, copiii de părinți, omul sărac educat pe punga de bani ignorantă. Ostrovsky notează, de asemenea, schimbări socio-istorice care amenință cu distrugerea structurii patriarhale. În „Sărăcia nu este un viciu”, generația mai în vârstă este deja criticată, cerând ascultare neîndoielnică de la copii; dreptul său la o autoritate neîndoielnică este pus sub semnul întrebării. Generația tânără acționează ca reprezentanți ai tradiției vie și mereu înnoite a vieții populare, a esteticii și eticii sale, iar bătrânul păcătos pocăit, un tulburător al păcii în familie, care a risipit „meteorul” capital cu numele expresiv „Dragoste”. ”, acționează ca vestitorul dreptății tinereții. Dramaturgul „instruiește” acest personaj să spună cuvintele adevărului nevrednicului cap de familie; el îi atribuie rolul persoanei. miraculos dezlegând toate nodurile strâns trase ale conflictelor.
Apoteoza lui Lyubim Tortsov de la sfârșitul piesei, care a stârnit încântare în rândul publicului, a adus asupra scriitorului multe reproșuri și chiar ridicol din partea criticilor literari. Dramaturgul a încredințat rolul de purtător de sentimente nobile și de predicator al bunătății unui om care nu a fost doar căzut în ochii societății, ci și unui „clovn”. Pentru autor, trăsătura de „bufonerie” în Lyubim Tortsov a fost extrem de importantă. În acțiunea Yuletide, care se desfășoară pe scenă în momentul în care are loc tragicul potrivire a unui bogat răufăcător, care separă îndrăgostiții, Lyubim Tortsov joacă rolul unui bunic-glumator tradițional. În momentul în care mumerele apar în casă și ordinea decoroasă a vieții în cuibul închis al negustorului, de nepătruns pentru ochii curioșilor, este perturbată, Lyubim Tortsov, un reprezentant al străzii, al lumii exterioare, al mulțimii, devine stăpânul situatia.
Imaginea lui Lyubim Tortsov a combinat două elemente ale dramei populare - comedia, cu bufonerie, inteligență, tehnici farse - „ciocăniri”, bufonerie, pe de o parte, și tragedie, generând o explozie emoțională, permițând tirade patetice adresate publicului, expresie directă, deschisă, durere și indignare - pe de altă parte.
Mai târziu, într-o serie de lucrări, Ostrovsky a întruchipat elementele contradictorii, drama internă a principiului moral și adevărul popular în personaje „pereche” conducând o ceartă, dialog sau pur și simplu „în paralel” stabilind principiile unei morale dure. și asceză (Ilya - „Nu trăi așa cum vrei tu”; Afonya - „Păcatul și nenorocirea nu trăiesc pe nimeni”) și preceptele umanismului popular, milă (Agathon - „Nu trăi așa... ”, bunicul Arkhip - „Păcat și nenorocire...”). În comedia „Pădurea” (1871), principiul moral universal al bunăvoinței, creativității, fanteziei, dragostei de libertate apare și sub o formă dublă: sub forma unui înalt ideal tragic, purtător de manifestări reale, „întemeiate”. dintre care este tragedianul provincial Neschastlivtsev, iar în formele sale tradiționale comice - negare, parodie, parodie, care sunt întruchipate în comedianul provincial Schastlivtsev. Ideea că morala populară însăși, cele mai înalte concepte morale despre bine, sunt subiect de dispută, că sunt mobile și că, existând pentru totdeauna, sunt actualizate tot timpul, determină trăsăturile fundamentale ale dramaturgiei lui Ostrovsky.
Acțiunea din piesele sale, de regulă, are loc într-o singură familie, între rude sau într-un cerc restrâns de persoane asociate cu familia din care fac parte personajele. În același timp, de la începutul anilor 50, în operele dramaturgului, conflictele sunt determinate nu numai de relațiile intra-familiale, ci și de starea societății, a orașului și a oamenilor. Acțiunea multor, poate a celor mai multe, piese de teatru are loc în pavilionul unei camere sau al unei case („Ne vom număra oamenii noștri!”, „Săraca mireasă”). Dar deja în piesa „Not on My Sleigh...” unul dintre cele mai dramatice episoade este transferat într-un decor diferit, petrecându-se într-un han, parcă întruchipând drumul, rătăcirea la care s-a condamnat Dunya după ce și-a părăsit natalul. Acasă. Hanul din „Nu trăiți așa cum doriți” are același sens. Aici întâlnești rătăcitori care vin la Moscova și părăsesc capitala, care sunt „mânați” de acasă de durere, nemulțumire față de situația lor și grija pentru cei dragi. Cu toate acestea, hanul este înfățișat nu numai ca un refugiu pentru călători, ci și ca un loc de ispită. Aici se desfășoară desfătare, distracție nesăbuită, care se opun plictiselii unei case de negustori decoroase. Suspiciunea locuitorilor orașului și izolarea impenetrabilă a caselor și familiilor lor este în contrast cu o libertate deschisă, bătută de vânt și festivă. Maslenitsa „încercuirea” în „Nu trăiți așa...” și divinația de Crăciun din „Sărăcia nu este un viciu” predetermina dezvoltarea complotului. Disputa dintre antichitate și noutate, care constituie un aspect important al conflictului dramatic din piesele lui Ostrovsky de la începutul anilor '50, este interpretată în mod ambiguu de către acesta. Formele tradiționale de viață sunt considerate veșnic reînnoite și doar în aceasta dramaturgul le vede viabilitatea. De îndată ce o tradiție își pierde capacitatea de a se „nega pe sine”, de a reacționa
Ilustrare:
Ilustrații de P. M. Boklevsky pentru comediile lui A. N. Ostrovsky
Litografii. 1859
nevoile vie ale oamenilor moderni, așa că se transformă într-o formă moartă, constrângătoare și își pierde propriul conținut viu. Vechiul intră în nou, în viața modernă, în care poate juca fie rolul de element „încărcător”, asuprind dezvoltarea acestuia, fie de element stabilizator, asigurând forța noutății emergente, în funcție de conținutul vechiului care. păstrează viața oamenilor.
Ciocnirea dintre apărătorii militanti ai formelor tradiționale de viață și purtătorii noilor aspirații, voința de a se exprima liber, de a-și afirma conceptul de adevăr și moralitate propriu, dezvoltat personal și câștigat cu greu, formează miezul conflictului dramatic din „The Furtună” (1859), o dramă care a fost apreciată de contemporani drept o capodopera a scriitorului și cea mai vie întruchipare a sentimentului public al epocii căderii iobăgiei.
Dobrolyubov în articolul său „Regatul întunecat” (1859) l-a descris pe Ostrovsky drept un adept al lui Gogol, un scriitor cu gândire critică care a arătat în mod obiectiv toate părțile întunecate ale vieții în Rusia modernă: lipsa conștiinței juridice, puterea nelimitată a bătrânilor în familia, tirania celor bogați și puternici, lipsa de voce a victimelor lor și a interpretat aceasta o imagine a sclaviei universale ca o reflectare a sistemului politic dominant în țară. După apariția „Furtuna”, criticul și-a completat interpretarea operei lui Ostrovsky cu un punct semnificativ despre trezirea protestului și a independenței spirituale în rândul oamenilor, ca motiv important pentru opera dramaturgului într-o nouă etapă („O rază de lumină într-un regat întunecat”, 1860). El a văzut întruchiparea oamenilor treziți în eroina „Furtuna” Katerina - o natură creativă, emoțională și organic incapabilă de a suporta înrobirea gândurilor și sentimentelor, cu ipocrizie și minciuni.
Dispute despre poziția lui Ostrovsky, despre atitudinea sa față de viața patriarhală, față de antichitate și noile tendințe în viata populara a început în timpul colaborării scriitorului cu Moskvityanin și nu s-a oprit după ce Ostrovsky a devenit un colaborator permanent la Sovremennik în 1856. Cu toate acestea, chiar și un susținător înflăcărat și consecvent al viziunii lui Ostrovsky ca cântăreț al vieții antice și al relațiilor familiale patriarhale, A. Grigoriev, în articolul „Artă și moralitate” a recunoscut că „artistul, răspunzând la întrebările vremii, mai întâi se întoarse brusc către fostul său
într-o manieră negativă... Acum era un pas spre protest. Și protestul pentru un nou început al vieții oamenilor, pentru libertatea minții, voinței și sentimentelor... acest protest a izbucnit cu îndrăzneală odată cu „Furtuna”.
Dobrolyubov, ca și A. Grigoriev, a remarcat noutatea fundamentală a „Furtuna”, caracterul complet al întruchipării caracteristicilor sistemului artistic al scriitorului și natura organică a întregului său drum creator. El a definit dramele și comediile lui Ostrovsky drept „piesele vieții”.
Ostrovsky însuși, împreună cu denumirile tradiționale ale genurilor pieselor sale ca „comedie” și „dramă” (el, spre deosebire de contemporanul său Pisemsky, nu a folosit definiția „tragediei”) a dat indicii despre unicitatea naturii lor de gen: „Imagini din viața Moscovei” sau „Imagini din viața Moscovei”, „Scene din viața satului”, „Scene din viața din teritoriu”. Aceste subtitrări au însemnat că subiectul imaginii nu era povestea unui personaj, ci un episod din viața unui întreg mediu social, care a fost determinat istoric și teritorial.
În „Furtuna” acțiunea principală are loc între membrii familiei de negustori Kabanov și anturajul acestora. Cu toate acestea, evenimentele de aici sunt ridicate la rangul de fenomene generale, eroii sunt reprezentați, personajele centrale primesc personaje strălucitoare, individuale și numeroase personaje minore iau parte la evenimentele dramei, creând un fundal social larg.
Trăsături ale poeticii dramei: amploarea imaginilor eroilor săi, conduse de convingeri, pasiuni și neclintiți în manifestarea lor, semnificația „principiului coral” în acțiune, opiniile locuitorilor orașului, conceptele lor morale. și prejudecățile, asociațiile simbolice și mitologice, cursul fatal al evenimentelor - dau genului „Furtuna” trăsături de tragedie.
Unitatea și dialectica relației dintre casă și oraș se exprimă în dramatism plastic, prin schimbarea, alternanța de scene care se desfășoară pe malul înalt al Volgăi, din care se văd câmpurile îndepărtate Trans-Volgă, pe bulevard, și scene care transmit viața de familie închisă, închise în camerele înfundate ale casei Kabanovsky, întâlniri de eroi într-o râpă de lângă mal, sub cerul înstelat al nopții - și la porțile închise ale casei. Porțile închise, care nu permit străinilor, și gardul grădinii Kabanov din spatele râpei separă lumea liberă de viața de familie a casei unui negustor.
Aspectul istoric al conflictului, corelarea acestuia cu problema tradițiilor culturale naționale și progresul social în „Furtuna” sunt exprimate cu deosebită intensitate. Doi poli, două tendințe opuse în viața oamenilor, între care se desfășoară „liniile de forță” ale conflictului în drama, sunt întruchipate în soția tânărului negustor Katerina Kabanova și soacra ei, Marfa Kabanova, supranumită Kabanikha pentru duritatea ei. și dispoziție severă. Marfa Kabanova este o păstrătoare convinsă și principială a antichității, a găsit și stabilit o dată pentru totdeauna norme și reguli de viață. Ea legitimează formele obișnuite de viață ca o normă eternă și consideră drept suprem al ei de a-i pedepsi pe cei care au încălcat orice obicei ca fiind legi ale existenței, deoarece pentru ea nu este nimic mare sau mic în această structură unică și neschimbătoare, perfectă. A pierdut atribut indispensabil viața - capacitatea de a se schimba și de a muri, toate obiceiurile și ritualurile din interpretarea lui Kabanova s-au transformat într-o formă eternă, înghețată, fără sens. Nora ei Katerina, dimpotrivă, nu poate percepe nicio acțiune în afara conținutului său. Religie, relații de familie și rudenie, chiar și o plimbare peste Volga - tot ceea ce printre kalinoviți, și mai ales în casa Kabanov, s-a transformat într-un ritual observat în exterior, pentru Katerina este fie plin de sens, fie insuportabil. Katerina poartă în sine începutul creativ al dezvoltării. Este însoțit de motivul zborului și al condusului rapid. Ea vrea să zboare ca o pasăre și visează să zboare, a încercat să navigheze cu o barcă de-a lungul Volgăi, iar în visele ei se vede alergând într-o troică. Această dorință de a se mișca în spațiu exprimă disponibilitatea ei de a-și asuma riscuri și de a accepta cu îndrăzneală necunoscutul.
Părerile etice ale oamenilor din „Furtuna” apar nu numai ca o sferă spirituală dinamică, contradictorie în interior, ci ca o scindare, ruptă tragic de antagonism, zonă de luptă ireconciliabilă, care atrage sacrificii umane, dând naștere la ură care nu se potolește chiar și peste mormânt (Kabanova rostește peste cadavrul Katerinei: „Este un păcat să plângi despre ea!”).
Monologul negustorului Kuligin despre morala crudă precede tragedia Katerinei, iar reproșul lui către Kalinoviți și apelul la milă mai înaltă îi servesc drept epitaf. Îi face ecou strigătul disperat al lui Tihon, fiul Kabanova, soțul Katerinei, care și-a dat seama prea târziu de tragedia situației soției sale și de propria neputință: „Mamă, ai ruinat-o!... Bine pentru tine, Katya! De ce am rămas în lume și am suferit!”
Disputa dintre Katerina și Kabanikha din dramă este însoțită de disputa dintre omul de știință autodidact Kuligin și bogatul negustor tiran Dikiy. Astfel, tragedia profanării frumuseții și a poeziei (Katerina) este completată de tragedia înrobirii.
știința în căutarea gândurilor. Drama poziției sclave a unei femei în familie, călcarea în picioare a sentimentelor ei în lumea calculului (tema constantă a lui Ostrovsky - „Săraca mireasă”, „Inimă caldă”, „Zestre”) în „Furtuna” este însoțită de o reprezentare. a tragediei minții în „regatul întunecat”. În „Furtuna” această temă este purtată de imaginea lui Kuligin. Înainte de „Furtuna”, s-a auzit în „Sărăcia nu este un viciu” în portretizarea poetului autodidact Mitya, în „Un loc profitabil” - în povestea lui Zhadov și povești dramatice despre căderea avocatului Dosuzhev. , sărăcia profesorului Mykin, moartea intelectualului Lyubimov, iar mai târziu în comedia „Adevărul este bun”, dar fericirea este mai bună” în situația tragică a contabilului onest Platon Zybkin.
În „A Profitable Place” (1857), ca și în „The Thunderstorm”, conflictul ia naștere ca o consecință a incompatibilității, a respingerii reciproce totale a două forțe inegale în capacitățile și potențialul lor: o forță stabilită, înzestrată cu putere oficială, pe de o parte. pe de altă parte, și o forță nerecunoscută, dar care exprimă noile nevoi ale societății și cerințele oamenilor interesați să satisfacă aceste nevoi, pe de altă parte.
Eroul piesei „Locul profitabil” Zhadov, un student universitar care intră în mediul funcționarilor și neagă, în numele legii și, cel mai important, al propriului simț moral, relațiile care s-au stabilit de mult în acest mediu. , devine obiectul urii nu numai al unchiului său, un birocrat important, ci și al șefului biroului, Yusov. , și al micului funcționar Belogubov și văduvei evaluatorului colegial Kukushkina. Pentru toți ei, el este un îndrăzneț al problemelor, un liber gânditor care le încalcă bunăstarea. Abuzurile pentru câștig personal și încălcarea legii sunt interpretate de funcționarii administrației ca activitate guvernamentală, iar cerința de a respecta litera legii este interpretată ca o manifestare de neîncredere.
Principalul adversar al eroului, Yusov, se opune definiției „științifice”, universitare, a sensului legilor în viața politică a societății, asimilată de Zhadov, precum și simțului său moral, cu cunoașterea existenței reale a legii. în societatea rusă de atunci și atitudinea față de lege, „sfințită” de viața de zi cu zi veche și de „moralitatea practică”. „Moralitatea practică” a societății este exprimată în piesa în revelațiile naive ale lui Belogubov și Yusov, încrederea acestuia din urmă în dreptul său la abuz. Funcționarul apare de fapt nu ca un executor sau chiar ca un interpret al legii, ci ca un purtător al puterii nelimitate, deși împărțit între mulți. În piesa sa ulterioară „Inimă înflăcărată” (1869), Ostrovsky, în scena conversației dintre primarul Gradoboev și oamenii obișnuiți, a demonstrat originalitatea unei astfel de atitudini față de lege: „Gradoboev: Este mare pentru Dumnezeu, dar este departe. de la țar... Și eu sunt aproape de tine, așa că sunt de tine și de judecător... Dacă te judecăm după legi, avem multe legi... și legile sunt toate stricte.. . Așadar, dragi prieteni, după cum doriți: să vă judec după legile sau după sufletul meu, așa cum este Dumnezeu în inima mea a pus-o jos?...
În 1860, Ostrovsky a conceput comedia poetică istorică „Voevoda”, care, conform planului său, urma să fie inclusă în ciclul de lucrări dramatice „Nopți pe Volga”, combinând piese din viața populară modernă și cronici istorice. „Voevodă” arată rădăcinile modernului fenomene sociale, inclusiv atitudinea „practică” față de lege, precum și tradițiile istorice de rezistență la fărădelege.
În anii 60-70, elementul satiric s-a intensificat în opera lui Ostrovsky. El creează o serie de comedii în care predomină o abordare satirică a realității. Cele mai semnificative dintre ele sunt „Simplicity is Enough for Every Wise Man” (1868) și „Wolves and Sheep” (1875). Revenind la principiul gogolian al „comediei pure”, Ostrovsky reînvie și regândește unele dintre trăsăturile structurale ale comediei lui Gogol. În comedie, caracteristicile societății și ale mediului social devin de mare importanță. Un „străin” care pătrunde în acest mediu, moral și social, nu poate fi opus societății în care ajunge prin neînțelegere sau înșelăciune („Pentru fiecare înțelept...” cf. „Inspectorul general”). Autorul folosește o schemă intriga despre „necinstiți”, înșelați de „necinstiți” sau induși în eroare de acesta („Jucători” de Gogol - cf. „Pentru fiecare înțelept...”, „Lupi și oi”).
„Pentru fiecare înțelept...” înfățișează vremea reformelor, când inovațiile timide în domeniul administrației publice și însăși desființarea iobăgiei erau însoțite de reținerea, „înghețarea” procesului progresist. Într-o atmosferă de neîncredere în forțele democratice și de persecuție a figurilor radicale care apărau interesele poporului, renegadismul a devenit comun. Un renegat și un ipocrit devine personaj central Comedia socială a lui Ostrovsky. Eroul este un carierist care se infiltrează în mediul oficialilor majori, Glumov. El bate joc de prostia, tirania și obscurantismul „oamenilor de stat”, goliciunea fraze-mașilor liberali și ipocrizia și desfrânarea doamnelor influente. Dar el trădează și abuzează pe ai lui
convingerile, îi distorsionează simțul moral. În efortul de a face o carieră strălucitoare, se înclină în fața „maeștrilor societății” pe care îi disprețuiește.
Sistemul artistic al lui Ostrovsky presupunea un echilibru între principii tragice și comedice, negație și ideal. În anii 50, un astfel de echilibru a fost atins prin înfățișarea, alături de purtătorii ideologiei „regatului întunecat”, tirani, tineri cu inimă curată și caldă și bătrâni corecti - purtători ai moralității populare. În următorul deceniu, într-o perioadă în care reprezentarea tiraniei într-o serie de cazuri a căpătat un caracter satiric-tragic, patosul unei dorințe altruiste de voință s-a intensificat un sentiment eliberat de convenții, minciuni și constrângere (Katerina - „The Furtună”, Parasha - „Inimă caldă”, Aksyusha - „Pădurea”), fundalul poetic al acțiunii a căpătat o semnificație deosebită: imagini ale naturii, întinderi Volga, arhitectura orașelor antice rusești, peisaje forestiere, drumuri de țară („Furtuna ”, „Voevodă”, „Inimă caldă”, „Pădurea”).
Manifestarea în opera lui Ostrovsky a unei tendințe de a intensifica satira și de a dezvolta comploturi pur satirice a coincis cu perioada în care acesta a trecut la teme istorice și eroice. În cronicile și dramele istorice, a arătat formarea multor fenomene sociale și instituții ale statului, pe care le considera un vechi rău al vieții moderne și le urmărea în comediile satirice. Cu toate acestea, conținutul principal al pieselor sale istorice este reprezentarea mișcărilor maselor în perioadele de criză din viața țării. În aceste mișcări el vede dramă profundă, tragedie și poezie înaltă de ispravă patriotică, manifestări în masă de abnegație și abnegație. Dramaturgul transmite patosul transformării unui „omuleț”, cufundat în preocupări prozaice obișnuite cu privire la bunăstarea lui, într-un cetățean care comite conștient acțiuni de importanță istorică.
Eroul cronicilor istorice ale lui Ostrovsky, fie că este vorba de „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk” (1862, 1866), „Dmitri Pretendentul și Vasily Shuisky” (1867), „Tushino” (1867), este masele oamenilor care suferă, căutând adevărul, frică să nu cadă în „păcat” și minciuni, apărându-și interesele și independența națională, luptă și răzvrătindu-și, sacrificându-și proprietatea de dragul intereselor comune. „Dezordinea pământului”, discordia și înfrângerile militare, intrigile aventurierii și boierilor înfometați de putere, abuzurile funcționarilor și guvernatorilor - toate aceste dezastre afectează în primul rând soarta oamenilor. Creând cronici istorice care descriu „destinele oamenilor”, Ostrovsky a fost ghidat de tradițiile dramaturgiei lui Shakespeare, Schiller și Pușkin.
În ajunul anilor 60, în opera lui Ostrovsky a apărut o nouă temă, care a crescut tensiunea dramatică a pieselor sale și a schimbat însăși motivația acțiunii din ele. Aceasta este o temă a pasiunii. În dramele „Furtuna”, „Păcat și nenorocire”, Ostrovsky a făcut din personajul central un purtător al unui personaj integral, o persoană cu sentimente profunde, capabilă să atingă culmi tragice în răspunsul său emoțional la minciuni, nedreptate, umilire a demnității umane, înșelăciune în dragoste. La începutul anilor '70, el a creat basmul dramatic „Crăiasa Zăpezii” (1873), în care, înfățișând diverse manifestări și „forme” de pasiune amoroasă pe fundalul unor circumstanțe fantastice, îl compară cu dătătorul de viață și distructiv. forțele naturii. Această lucrare a fost o încercare a scriitorului - un expert în folclor, etnografie și folcloristică - de a baza o dramă pe intrigi reconstruite ale miturilor antice slave. Contemporanii au remarcat că în această piesă Ostrovsky urmează în mod conștient tradiția teatrului shakespearian, în special piese precum „Visul unei nopți de vară”, „Furtuna”, a cărei intriga este de natură simbolică și poetică și se bazează pe motive din basmele populare și legende.
În același timp, „Crăiasa zăpezii” a lui Ostrovsky a fost una dintre primele drame europene de la sfârșitul secolului al XIX-lea. încearcă să interpreteze problemele psihologice moderne într-o lucrare, al cărei conținut transmite idei populare străvechi, iar structura artistică asigură sinteza cuvintelor poetice, muzicii și artelor plastice, dansului popular și ritualului (cf. Peer Gynt a lui Ibsen, dramele muzicale ale lui Wagner). , Clopotul scufundat al lui Hauptmann).
Există o nevoie urgentă de a extinde imaginea vieții societății, de a actualiza „setul” tipuri moderne Ostrovsky a trăit situații dramatice încă de la începutul anilor 70, când realitatea post-reformă în sine s-a schimbat. În acest moment, în opera dramaturgului, a existat tendința de a complica structura pieselor și caracteristicile psihologice ale personajelor. Înainte de aceasta, eroii din operele lui Ostrovsky s-au distins prin integritatea lor; el a preferat caracterele bine stabilite ale oamenilor ale căror convingeri corespundeau practicii lor sociale. În anii 70-80, astfel de persoane au fost înlocuite în lucrările sale de naturi contradictorii, complexe, experimentând influențe eterogene, uneori distorsionându-le aspectul interior. În timpul evenimentelor descrise în piesă
își schimbă părerile, devin dezamăgiți de idealurile și speranțele lor. Rămânând ca înainte fără milă față de susținătorii rutinei, înfățișându-i satiric atât atunci când dau dovadă de conservatorism stupid, cât și când pretind o reputație de personalități misterioase, originale, „titlul” liberalilor, Ostrovsky îi înfățișează cu profundă simpatie pe adevărații purtători ai ideii de iluminism și umanitate. Dar în piesele sale ulterioare, el îi înfățișează adesea pe acești eroi iubiți într-o lumină ambivalentă. Acești eroi exprimă sentimente înalte „cavalerești”, „Schiller” într-o formă comică, „coborâtă”, iar situația lor reală, tragică este atenuată de umorul autorului (Neschastlivtsev - „Pădurea”, Korpelov - „Pâinea muncii”, 1874; Zybkin - „Adevărul - bine, dar fericirea este mai bună”, 1877; Meluzov - „Talente și admiratori”, 1882). Locul principal în piesele ulterioare ale lui Ostrovsky este ocupat de imaginea unei femei, iar dacă anterior ea a fost înfățișată ca o victimă a tiraniei familiale sau a inegalității sociale, acum este o persoană care își prezintă cererile în fața societății, dar împărtășește iluziile și suporturile acesteia. cota ei de responsabilitate pentru starea moralei publice. Femeia din epoca post-reformă a încetat să mai fie o reclusă „templu”. În zadar, eroinele pieselor „Ultimul sacrificiu” (1877) și „Inima nu este o piatră” (1879) încearcă să „tace” în tăcerea căminului lor, iar aici sunt depășite de viața modernă sub forma unor oameni de afaceri și aventurieri prudenti, cruzi, care consideră frumusețea și însăși personalitatea unei femei ca pe o „adăugare” capitalului. Înconjurată de oameni de afaceri de succes și perdanți care visează la succes, ea nu poate distinge întotdeauna valorile adevărate de cele imaginare. Dramaturgul se confruntă cu o simpatie condescendentă la noile încercări ale contemporanilor săi de a câștiga independența, remarcându-le greșelile și lipsa de experiență de zi cu zi. Cu toate acestea, el este deosebit de drag naturii subtile, spirituale, femeilor care luptă pentru creativitate, puritate morală, mândrie și voinic Kruchinina - „Vinovat fără vinovăție”, 1884).
În cea mai bună dramă a scriitorului acestei perioade, „Zestrea” (1878) femeie modernă, care se simte ca un individ, ia independent decizii importante de viață, se confruntă cu legile crude ale societății și nu se poate împăca cu ele și nici nu le poate opune cu noi idealuri. Sub vrajă om puternic, o personalitate strălucitoare, ea nu realizează imediat că farmecul lui este inseparabil de puterea pe care i-o dă bogăția și de cruzimea nemiloasă a „colecționarului de capital”. Moartea Larisei este o cale tragică de ieșire din contradicțiile morale insolubile ale vremii. Tragedia situației eroinei este agravată de faptul că în timpul evenimentelor descrise în dramă, trăind dezamăgiri amare, ea însăși se schimbă. I se dezvăluie falsitatea idealului, în numele căruia era gata să facă orice sacrificii. În toată urâțenia ei, se dezvăluie poziția la care este condamnat - rolul unui lucru scump. Cei bogați se luptă pentru posesia ei, încrezători că frumusețea, talentul, spiritual personalitate bogată- totul poate fi cumpărat. Moartea eroinei „The Dowry” și a Katerinei din „The Thunderstorm” marchează un verdict asupra unei societăți care nu este capabilă să păstreze comoara unei personalități inspirate, frumusețe și talent; este sortită sărăcirii morale, triumfului vulgaritate și mediocritate.
În piesele ulterioare ale lui Ostrovsky, culorile comice care au ajutat la recrearea sferelor sociale separate una de cealaltă, viața diferitelor clase, diferită prin modul lor de viață și modul de vorbire, s-au estompat treptat. Comercianți bogați, industriași și reprezentanți ai capitalului comercial, proprietari nobili și funcționari influenți constituiau o singură societate la sfârșitul secolului al XIX-lea. Observând acest lucru, Ostrovsky vede în același timp creșterea inteligenței democratice, care este prezentată în ultimele sale lucrări nu mai sub forma unor visători excentrici singuratici, ci ca un anumit mediu stabilit, cu propriul mod de viață, propriile sale idealuri. si interese. Ostrovsky a acordat o mare importanță influenței morale a reprezentanților acestui mediu asupra societății. El a considerat că slujirea artei, științei și educației este misiunea înaltă a intelectualității.
Dramaturgia lui Ostrovsky a contrazis, în multe privințe, clișeele și canoanele dramaturgiei europene, în special franceze moderne, cu idealul ei de o piesă „bine făcută”, intriga complexă și o soluție fără ambiguitate la problemele de actualitate puse direct. Ostrovsky a avut o atitudine negativă față de piesele senzaționale și „de actualitate”, față de declarațiile oratorice ale eroilor lor și efectele teatrale.
Cehov a considerat pe bună dreptate comploturile caracteristice lui Ostrovsky ca fiind „viață uniformă, lină, obișnuită, așa cum este cu adevărat”. Ostrovsky însuși a afirmat de mai multe ori că simplitatea și vitalitatea complotului sunt cea mai mare demnitate a oricărei operă literară. Dragostea tinerilor, dorința lor de a-și uni destinele, depășirea calculelor materiale și a prejudecăților de clasă, lupta pentru existență și setea de spiritualitate.
independența, nevoia de a-și proteja personalitatea de atacurile celor de la putere și de durerile de mândrie ale celor umiliți”